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BIG FISH

2011-07-07T04:29:00.000-07:00

Dirección: Tim Burton Guión: John August, basado en la novela de Daniel Wallace Fotografía: Philippe Rousselot Montaje: C. Lebenzon, J. Negron Música: Danny Elfman Intérpretes: Ewan McGregor, Albert Finney, Billy Crudup, Jessica Lange, Danny DeVito, Helena Bonham Carter Distribuidora: Columbia

"El primero que despertará será el pez". En Animales de los espejos, uno de los atractivos cuentos de Borges que recoge los sueños, deseos y miedos de los hombres, el pez aparece como un ser fugitivo y resplandeciente que enfrenta al reino especular y el humano. Esta zoología fantástica, iniciada con la mitología, confiere al pez un status de conocimiento mágico que lo convierte en una fuerza vital para los hombres y su mundo. Big fish recupera el subtexto borgiano de la leyenda y lo convierte en la historia de un espíritu, un espíritu libre y creador que vive en un pez y respira en un hombre.

Tim Burton vuelve a destacar como creador de mundos y submundos habitados por personajes increíbles y esperpénticos, propios de una imaginación colorista y mágica. Aunque el arranque es algo confuso (resulta difícil determinar hacia dónde camina la historia), Big fish avanza paulatinamente hacia un mundo visualmente circense, de aventuras, cuentos dentro de cuentos y protagonistas de buen corazón. Basado en una novela de Daniel Wallace, Tim Burton, aquel joven que comenzó como uno de los dibujantes estrellas de Disney, toma prestado elementos de sus películas anteriores, las "perfectas comunidades" de Eduardo Manostijeras, la espectacularidad de Batman o el infundado tenebrismo de Sleepy Hollow, pero no evoluciona. La película parece una práctica de sus mejores trucos y recursos visuales (muy logrados) con una dirección de fotografía del perfeccionista Philippe Rousselot (Entrevista con el vampiro o El planeta de los simios), pero la ficción y la realidad no encajan, convirtiendo grandes escenas en anécdotas aisladas y desvinculadas de la historia principal.

El pez como metáfora de una ilusión permite una doble visión de la realidad y una doble interpretación del protagonista, Edward Bloom joven (Ewan McGregor) y Edward Bloom mayor (Albert Finney). Además, supone el enfrentamiento del empirismo del mundo de las cosas representado en el personaje de Bill Crudup (Casi famosos) y el mundo de las ideas y de la imaginación. La interpretación de los actores es correcta y en algunos casos existen destellos interpretativos que pasan desapercibidos ante el barroquismo de la puesta en escena. Por eso, se agradecen los momentos de descanso burtoniano cuando vemos cómo la realidad aflora personajes reales como los de Albert Finney y Jessica Lange. Breve pero intenso.

La banda sonora de Danny Elfman, convertido ya en su inseparable colaborador, complementa la historia con la dosis necesaria de fascinación para que Big fish se convierta en una película agradable, divertida, que ha conseguido derrotar en la taquilla estadounidense a El Señor de los Anillos: El retorno del rey. Pero... los 14,5 millones de dólares en un fin de semana no impiden que Big fish se quede en una comedia sin excesivo poso. Laura García Pousa.

HÉROES

2011-07-07T03:30:00.000-07:00

Es... mágica.

Dirección: Pau Freixas Guión: Albert Espinosa, P. Freixas Fotografía: Julián Elizalde Montaje: Jaume Martí Intérpretes: Eva Santolaria, Álex Brendemühl, Emma Suárez, Lluís Homar, Nerea Camacho, Mireia Vilapuig Productor: Aitana de Val, Luis de Val Distribuidora: Alta Duración: 105 minutos Público Adecuado: Mayores de 16 años (temática)

Notable alto para Pau Freixas, que dirige una película sensible, emotiva y divertida sobre preadolescentes veraniegos.

Cuando el cine recuerda veranos de niñez y preadolescencia, el espectador inteligente suele agarrarse a lo primero que tiene cerca: es un terreno sembrado de tópicos, en los que parece obligado irse parando en estereotipos gastados y lugares comunes. Pero los buenos aficionados saben que cuando una película de niños de 10-14 años sale bien es inolvidable: ahí están Matar a un ruiseñor, de Mulligan en el 62, y Un árbol crece en Brooklyn, del inevitable Kazan en el 45, para demostrarlo; y tantas otras, como Millones, de Boyle en 2004.

El catalán Pau Freixas (Barcelona, 1973), con experiencia en TV, ha logrado una hermosa y amena película, que él mismo coescribe con Albert Espinosa (4ª planta). Esta cinta, rodada en catalán con un excelente reparto liderado por Álex Brendemühl -soberbio, como casi siempre- y Eva Santolaria -expresiva y divertida en su papel de chica con carácter-, cuenta la amistad entre cinco chicos que andan por los 14 años en los años 80 en un pueblo de la Costa Brava.

Los chicos (qué bien dirigidos están, especialmente la pequeña Mireia Vilapuig, que brilla como si llevase una bombilla dentro, cuando está triste y cuando está alegre) sueñan con ganar una carrera con bólidos caseros para así tener derecho a una cabaña con la que siempre han soñado. De manera sorprendente, siendo una película con abrumador protagonismo infantil, tiene aplomo y toma altura alejándose del telefilm o la serie de pandilla veraniega: es original, dulce y amarga, simpática y jocosa, poética y tremendamente emotiva.

La historia paralela de un joven ejecutivo de publicidad y su encuentro con una joven en una carretera, sirve de contrapunto para equilibrar una trama que incluye sorpresas y cuenta con breves apariciones de una actriz que me sigue pareciendo la mejor de las españolas: Emma Suárez. Tiene un sentido de la emoción, una mirada sobre lo frágil llena de encanto. Héroes es una de las mejores películas españolas sobre los prolegómenos de la adolescencia. Una sorpresa muy agradable, similar a la que me proporcionó Tic tac, aunque la de Verges era infantil y con más fantasía. Alberto Fijo

LA TRAVESIA DEL VIAJERO DEL ALBA. NARNIA

2011-05-09T05:21:00.000-07:00

Dirección: Michael Apted Guión: Christopher Markus, Stephen McFeely, Michael Petroni Fotografía: Dante Spinotti Montaje: Rick Shaine Música: David Arnold Intérpretes: Georgie Henley, Ben Barnes, Skandar Keynes, Will Poulter, Tilda Swinton Distribuidora: Fox Duración: 115 minutos Público Adecuado: Todos

1942. La guerra sigue en Europa, Lucy y Edmund Pevensie viven en casa de sus tíos Clarence, con su insoportable y mimado primo Eustace. Añoran Narnia, pero no saben si volverán. Está claro que Peter y Susan ya se han hecho mayores y no regresarán. Un día se dan cuenta de que una marina que hay en el cuarto de invitados, aparece un barco con un aire muy narniano…

La tercera entrega cinematográfica basada en las novelas de C.S. Lewis retoma el encanto que había perdido en la segunda, El Príncipe Caspian. Dicho de otra manera a Lewis no le va la épica tolkineana de batallas y situaciones de tensión apocalíptica. Lo suyo es la fantasía heroica protagonizada por niños con buenas dosis de humor, ironía, ternura y emoción.

De todo esto había en El león, la bruja y el armario. Y vuelve a haberlo en La travesía del Viajero del Alba. La puesta en escena es muy hermosa (los trabajo de fotografía –nada menos que Dante Spinotti-, montaje y diseño de producción son excelentes y la dirección del británico Apted (Amazing Grace) muy eficaz, los niños están estupendos (especialmente, Eustasce, el primo insoportable) y se le saca partido a la tercera novela de la heptalogía, publicada en 1952, que tiene momentos muy buenos pero en el desarrollo puede resultar un poco cumulativa y sin la chispa.

Una buena película, que disfrutarán mucho los niños y que se mantiene muy fiel al intenso tono alegórico de la saga de Lewis.

Alberto Fijo

ENREDADOS

2011-05-09T05:17:00.000-07:00

Dirección: Byron Howard, Nathan Greno Guión: Dan Fogelman Montaje: Tim Mertens Música: Alan Menken Voces Originales: Mandy Moore, Zachary Levi, Donna Murphy, Brad Garrett, Ron Perlman Distribuidora: Walt Disney Duración: 95 minutos Público Adecuado: Todos

Desde que Pixar empezara a triunfar en el panorama internacional con sus películas en 3D, el estudio Disney estuvo intentando encontrar su propio camino, con el objetivo de conseguir un éxito de crítica y público semejante al de la empresa con la que se ha asociado desde hace unos cuantos años. Primero con el anuncio del cierre de su departamento de animación tradicional, luego -en los últimos años- con el estreno del film en 3D Bolt -desvinculado de la compañía creadora de Up- o con la vuelta a 2D que supuso Tiara y el sapo, la compañía estadounidense ha intentado reactivar un mercado que había sido casi exclusivamente suyo durante más medio siglo.

En este contexto se estrena Enredados, quincuagésimo largometraje de Disney. Retomando todos los elementos clásicos que la compañía lleva explotando desde hace décadas, la película parte de un cuento de hadas protagonizado por una princesa en apuros. Al ritmo de una potente banda sonora -a cargo del compositor Alan Menken, responsable de la partitura de La sirenita, La bella y la bestia, Aladin o El jorobado de Notre Dame-, Enredados supone una reinterpretación de Rapunzel, el clásico cuento de los hermanos Grimm.

Gracias a la revisión que el guionista Dan Fogelman hace del original, la cinta consigue frescura y originalidad aunque sigue conservando muchos de los tópicos de textos anteriores de Fogelman como Bolt o Cars: los personajes siguen siendo planos y la narración no consigue desvincularse de ese tono añejo y ñoño del que se deshizo en sus orígenes, salvo en el caso de la mencionada Cars.

Aunque en el plano técnico la película es impecable, con un estupendo diseño de personajes -especialmente el del camaleón Pascal- y la proeza de animar los veintiún metros de cabello de la protagonista, Enredados arriesga muy poco. Los números musicales se aferran a la tradición y desdeñan el mayor riesgo y triunfo de Tiana y el sapo con los magníficos números musicales “Ya llegaré” y “Tengo amigos del más allá”.

Sin ser capaz de hacer competencia a los proyectos de Pixar, el director de Bolt, Byron Howard, y el novel Nathan Greno construyen una película muy entretenida, con buen ritmo, grandes momentos de acción y la hermosa secuencia correspondiente a la canción nominada a los Globos de Oro “I see the light”.

Película dedicada a un público infantil, cuenta con algún que otro guiño para los adultos, como la genial referencia al unicornio de papiroflexia de Blade Runner.

Laura Montero Plata

COMO ENTRENAR A TU DRAGÓN

2010-12-06T04:18:00.000-08:00

Dirección: Chris Sanders, Dean DeBlois Guión: Will Davies, D. DeBlois, C. Sanders Montaje: Darren Holmes, Maryann Brandon Música: John Powell Voces Originales: Jay Baruchel, Gerard Butler, America Ferrera, Jonah Hill, Christopher Mintz-Plasse, Kristen Wiig, T.J. Miller, Craig Ferguson Distribuidora: Paramount Duración: 100 minutos Público Adecuado: Todos los públicos

Vikingos y dragones en una divertida y vistosa película de animación 3D en la que Dreamworks no innova pero entretiene con buen nivel técnico.

La nueva película animada de Dreamworks viene de la mano de los autores de Lilo y Stitch para Disney, con la que tiene más de un punto común. Cómo entrenar a tu dragón tiene mucho de deja vu, porque Dreamworks Animation suele escribir sus guiones a base de parodiar obras conocidas.

En el caso presente lo tiene por partida doble, porque la novela infantil de Cressida Cowell en la que se inspira –muy graciosa, por cierto-, ya tenía ese carácter. Pero a su vez, como toda buena novela, desarrolla a sus personajes de un modo armónico y con seriedad, y eso se refleja de modo singular en esta historia, que además de narrar aventuras fantásticas, trata los problemas de un adolescente acomplejado, con ganas de agradar a su padre y de llamar la atención de sus compañeros (y compañera); trata del valor de la comunicación y de la amistad, y también de la superioridad de la inteligencia sobre la fuerza.

Por lo demás, técnicamente es una preciosidad; ha sido concebida en 3D, y en este formato no sólo la aventura aérea y los extraordinarios dragones quedan nota blemente embellecidos, sino que toda la planificación, y los simples paisajes cobran una singular belleza. Fernando Gil-Delgado. Filasiete.

ORIGEN

2010-12-06T04:00:00.000-08:00

Dirección: Christopher Nolan Guión: Christopher Nolan Fotografía: Wally Pfister Montaje: Lee Smith Música: Hans Zimmer Intérpretes: Leonardo Di Caprio, Joseph Gordon-Levitt, Ellen Page, Marion Cotillard, Michael Caine Duración: 147 minutos

Nolan sigue jugando en otra liga. Como sucedió hace dos años, la taquilla y la crítica veraniega se han puesto a sus pies y a los de Pixar con toda justicia.

Dom Cobb (Leonardo Di Caprio) es un especialista en robar los sueños de la gente a través de la incursión en su subconsciente. Sin embargo, este don le ha convertido en un ser fugitivo que sólo podrá redimirse pasando de ser ladrón a protector de los sueños de uno de los hombres más poderosos del planeta.

Hay alguna que otra vuelta de tuerca que no acaba de estar bien resuelta (en especial el capítulo final de la nieve) y a la relación Cotillard-Di Caprio le falta algo de claridad y profundidad de campo para ser el potente motor emocional que requiere la historia. Pero… ¡qué gran película la de este director británico que apenas hace unos días cumplía 40 años! En este tiempo Nolan ha instalado su filmografía en el mundo del subconsciente y en sus conexiones con el mundo real a través de los mitos del comic (Batman begins, El caballero óscuro), la magia (El truco final), los estados mentales irregulares (Memento) y los sueños (Insomnio, Origen). Repite con su equipo técnico habitual: el compositor Hans Zimmer, omnipresente a lo largo de toda la película con su inquietante banda sonora, el director de fotografía Wally Pfister y el editor Lee Smith (que, aparte de la obra de Nolan, realizó un trabajo brillante en Master and Commander). Y la potencia visual es tremenda, a la altura de muy pocos. Sobre todo porque es capaz de no caer en el virtuosismo vacío que sí caen últimamente otros grandes como Ridley Scott, Scorsese o Brian de Palma.

Gran parte del mérito de la película es del guión del propio Nolan que aprovecha actores de peso para construir personajes con relieve que interesan y emocionan en sus conflictos clásicos en el cine del siglo XXI. Todo ello en un mundo que se desmorona en explosiones espectaculares que reflejan la decadencia de una era que acaba por llegar a los orígenes: el sentido de filiación e identidad perdidos, la conexión con la realidad que capacita o impide la donación a los demás y por tanto la felicidad, la defensa de la intimidad y el respeto a la creatividad individual.

El único problema que tiene la película es que requiere un grado de atención que dudo que puedan prestarle la generación del link acelerado y la atención dispersa (que al fin y al cabo son los que van al cine). Aún así, triunfe o no en taquilla, nadie podrá negar a Nolan los enormes riesgos de su película y su facilidad para enredarse sin morir en el intento en el terreno resbaladizo de obras maestras del inconsciente como Recuerda o Vértigo, del maestro Alfred Hitchcock.

Claudio Sánchez. Filasiete.

COMO LA VIDA MISMA

2010-10-10T11:25:00.000-07:00

Dan es un hombre viudo, padre de tres hijas y escritor de una columna periodística titulada "Como la vida misma" en la que habla de la relaciones intergeneracionales. Sin embargo la relación con sus hijas no es precisamente satisfactoria, sobre todo cuando las obliga a realizar una visita a su numerosa familia. Antes de llegar, Dan conoce a una mujer en una librería y se enamora de ella sin saber que es la novia de su hermano.

El punto de partida incluye muchos tópicos: padre viudo, un encuentro muy casual, enamorarse de la mujer equivocada, una casa repleta de niños. Pero el guión y los actores levantan la película mostrando una familia alocada, numerosa y chismosa de manera mucho más divertida que la rutinaria Doce en casa.

Peter Hedges (Iowa, 1962) dirige y coescribe esta película después de realizar una opera prima que fue bien recibida por la crítica (Retrato de April) y de escribir junto a los hermanos Weitz el guión de Un niño grande que fue candidato al Oscar en 2002.

El guión de esta comedia romántica recuerda por sus diálogos vivos e inteligentes a títulos recientes como Juno o Pequeña Miss Sunshine. Se nota el esfuerzo de Hedges y Pierce Gardner (segundo guionista de la película) por controlar la glucosa y buscar constantemente el giro creativo y la réplica ingeniosa. De esta manera la película entretiene con un ritmo que no decae y que huye de muchos lugares comunes.

Todo esto cobra fuerza con un elenco de actores bien seleccionado que hace un trabajo excelente: Steve Carrell (controlado en sus gestos y medido en su dramatismo), Juliette Binoche (encantadora redención en este género después del olvidable Jet Lag con Jean Reno), Dianne Wiest (magnífica siempre, aunque aquí algo desaprovechada), Amy Ryan (que aspiró al Oscar por Adios, pequeña, adios)… Todos hacen de esta película un entretenimiento amable en el que la música de Sondre Lerche acompaña dando brillo y da color a los estados anímicos de los personajes.

Por poner un "pero", quizá a la película le falte una conclusión más redonda, un par de pasos de profundidad en la solución de los conflictos planteados… Aún así, está muy por encima de la superficialidad y la idiotez de muchas comedias actuales.

Claudio Sánchez

INDISCRETA

2010-10-10T10:44:00.001-07:00

Una mujer cree conocer al hombre de su vida. Pero está casado. ¿O no? Porque en realidad ésa es la excusa que Philip le pone a Anna para no comprometerse. Cuando ella se entera, se pone hecha una furia, y se propone provocar sus celos. Lo que tiene efectos contraproducentes, pues él había pensado finalmente proponerle matrimonio.

Encantador enredo dirigido por Stanley Donen, que volvió a reunir a la pareja Cary Grant-Ingrid Bergman doce años después de Encadenados.

http://www.decine21.com/Peliculas/Indiscreta-7949

EVA AL DESNUDO

2010-10-10T10:40:00.000-07:00

Aplausos. Eva Harrington recoge el galardón que reconoce su talento como actriz de teatro. Un pretexto para que varios personajes recuerden cómo ha llegado hasta allí. Admiradora de la leyenda viviente Margo Channing, Eva no tenía experiencia interpretativa. Pero con paciencia y tesón, provocando una mezcla de envidia y admiración a su alrededor, se convirtió en secretaria de Margo. Luego era su actriz sustituta, hasta que llegaba la oportunidad de reemplazarla en una función. Acertaba André Bazin al decir que Davis "no interpreta su papel habitual. Es Ann Baxter quien hace el papel de Bette Davis en el cine, mientras que Bette Davis hace el papel de Bette Davis en la vida". Cuando su carrera languidecía, le tocaba aquel bombón de personaje: pero no era la clásica depredadora que, con tantos matices, había contribuido a crear.

Eva al desnudo nació de un argumento que rondaba a Joseph L. Mankiewicz: una mujer pelea a muerte por conseguir un premio parecido al Oscar. Mientras le daba vueltas descubrió un relato de Mary Orr, "The Wisdom of Eva", publicado en Cosmopolitan en 1946: "Me sirvió de pretexto, McGuffin que diría Hitchcock, hasta que se convirtió en un comentario satírico sobre el mundo del teatro y sus habitantes". La historia transcurría en el mundo de la escena en que anheló trabajar, aunque la vida le llevó al cine, donde se labró una sólida reputación. Su complejo de culpa lo trasladó al personaje de Eva, dispuesto a marchar a Hollywood tras ganar su premio.

Años después el director tuvo la sorpresa de que el fingido premio Siddons (tomaba el nombre de una actriz del siglo XVIII), se convirtió en real: la sociedad Sarah Siddons de Chicago lo adoptó como galardón. Por si fuera poco, Celeste Holm y Bette Davis ganaron dicho premio. El círculo se cerraba. Pero Mankiewicz recelaba de cualquier premio, pese a ganar con el film 2 Oscar como guionista y director: "El oro, una vez en la mano, se convierte en mierda". Eva al desnudo incluía una frase dirigida a Eva, advertencia sobre la corrupción que pueden producir: "Yo no me preocuparía mucho por el corazón, ya que siempre puedes poner ese trofeo en su lugar".

Para Mankiewicz las mujeres en pantalla son más interesantes que los hombres. El personaje del crítico Addison es fascinante, y fue el único Oscar de interpretación de Eva al desnudo (Bette Davis, Anne Baxter, Celeste Holm y Thelma Ritter fueron candidatas). Pero el meollo de la historia son los personajes femeninos: desde Eva, que vende el alma para alcanzar su cota de gloria, hasta la vieja estrella Margo, candidata a una relativa felicidad, pasando por Karen, esposa infeliz, miss Caswell a la que Marilyn Monroe da una gracia especial o Birdie, encargada del tocador de Margo. La riqueza del alma femenina es patente. Mankiewicz decía de ella: "La mujer puede decir que sí y que no al mismo tiempo. La mujer quiere y no quiere al mismo tiempo. La mujer miente y disimula infinitamente mejor que el hombre. Estoy totalmente de acuerdo con las mujeres cuando hablan de lo imposible que les hace la vida la sociedad, pero les envidio su superior 'equipamiento' para afrontar la vida. Todas las injusticias sociales perpetradas contra ellas han agudizado sus defensas."
http://www.decine21.com/Peliculas/Eva-al-desnudo-6388

REGRESO A HOWARDS END

2010-10-10T10:30:00.000-07:00

Las hermanas Margaret y Helen, interpretadas por Helena Bonham Carter y Emma Thompson, empiezan una amistad con los Wilcox, una próspera familia de la burguesía liberal, pero por una serie de sucesos, suspenden la relación. Con en el tiempo, la comprensiva Margaret y la dulce señora Wilcox, vuelven a encontrarse y entablan una amistad tan sólida, que al morir ésta, le deja su bucólica casa de Howards End a Margaret, en contra de la opinión de su familia. Helen se desentiende, y se dedica a ayudar a un joven y atractivo oficinista con problemas matrimoniales, con el que iniciará un romance. Las cosas se complican cuando Margaret y el viudo Wilcox se enamoran.

Una excelente película de época realizada por el especialista en el género James Ivory, autor también de Oriente y Occidente (1982), Las bostonianas (1984) o Una habitación con vistas (1986). Basada en la novela de E.M. Forster. Una historia sugerente, rodada con sutileza y con un envolvente sentido estético. El equipo de actores está imponente, desde el sobrio Anthony Hopkins, hasta la rebelde Bonham Carter y la encantadora Vanessa Redgrave. Emma Thompson ganó el Oscar como mejor actriz. El tono de la película es de una belleza y de una elegancia admirables.
http://www.decine21.com/Peliculas/Regreso-a-Howards-End-4562

SABRINA

2010-09-04T04:00:00.000-07:00

Sabrina (Audrey Hepburn) es la hija del chófer de la familia Larrabee, una de las más ricas de Long Island. La romántica Sabrina está perdidamente enamorada de uno de los hijos de los Larrabee, David (William Holden), el más insensato. El otro es Linus (Humphrey Bogart), un honesto hombre de negocios con la cabeza en su sitio, que no quiere que su hermano haga desgraciada a Sabrina. Esta viaja a Francia para aprender el oficio de la hostelería, donde conoce a un anciano Barón que le transforma en una mujer de su tiempo. Cuando regresa, su amor por David aún sigue vivo, y a éste no se le pasa por alto que Sabrina se ha convertido en una jovencita muy atractiva. Linus recibe el encargo de sus padres de impedir que su hermano siga adelante en su relación con una chica de origen tan humilde.

Una ingeniosa comedia dirigida por el mayor experto en el género, el genial Billy Wilder, con títulos como Con faldas y a lo loco (1959) o El apartamento (1960). La audacia de Wilder consigue modelar las interpretaciones de Bogart, Hepburn y Holden a su gusto, con pepeles muy distintos de su imagen habitual. Se trata de una adaptación de la obra teatral de Samuel Taylor. Algunas escenas están llenas de encanto, y los diálogos son estupendos. Un auténtico clásico.

http://www.decine21.com/Peliculas/Sabrina-4615

EN TIERRA HOSTIL

2010-08-31T04:23:00.001-07:00

THE DAMMED UNITED

2010-08-31T04:20:00.000-07:00

AVATAR

2010-08-26T05:24:00.001-07:00

THE SHUTTER ISLAND

2010-08-26T05:23:00.000-07:00

THE ITALIAN JOB

2010-08-26T05:19:00.000-07:00

SIEMPRE A TU LADO. HACHIKO.

2010-08-08T02:57:00.002-07:00

PLANET 51

2010-08-08T02:57:00.001-07:00

PERCY JACKSON Y EL LADRON DEL RAYO

2010-08-08T02:51:00.000-07:00

TENÍAS QUE SER TÚ y GREEN ZONE

2010-08-08T02:30:00.000-07:00

EL CONCIERTO

2010-07-04T11:57:00.000-07:00

FRACTURE

2010-05-11T02:12:00.000-07:00

Dirección: Gregory Hoblit Guión: Daniel Pyne, Glenn Gers Fotografía: Kramer Morgenthau Montaje: David Rosenbloom Música: Mychael Danna, Jeff Danna Intérpretes: Ryan Gosling, Anthony Hopkins, David Strathairn, Rosamund Pike, Embeth Davidtz Distribuidora: TriPictures Duración: 113 minutos Público Adecuado: Adultos
El realizador tejano de 63 años Gregory Hoblit no pasará a la historia como un director notable, pero sabe entretener. Este corrector drama judicial cuenta con otra buena interpretación de Ryan Gosling.
Willy Beachum (Ryan Gosling) es un joven y ambicioso fiscal que ha llamado la atención de un gran bufete de abogados. En ese momento, Beachum recibe la orden de ocuparse de un último caso que parece sencillo, un crimen pasional, un parricidio.
Probablemente no se dedicarán muchos libros a la filmografía de Gregory Hoblit (Texas, 1944), como tampoco a la de Avnet ó Robinson. Hoblit es un director que no suele aburrir y tiene buen ojo para elegir historias ingeniosas como las de Fallen ó Frequency. En Fracture, Hoblit vuelve al thriller judicial, género al que pertenece su primera película: Las dos caras de la verdad (1996).
El resultado es más que notable, y la interpretación de Ryan Gosling: sobresaliente. No es fácil enfrentarse a Anthony Hopkins sin salir mal parado. Pero más complicado aún es competir con un personaje que reúne tantos tópicos: abogado joven, guapo, ambicioso y listísimo. Gosling (que aspiró al Oscar por su impresionante trabajo en Half Nelson) realiza una interpretación que sabe matizar al personaje, haciéndolo vulnerable, nada que ver con esas interpretaciones planas (pedantes, insulsas, maniqueas) que abundan en el cine norteamericano producidas por o para las majors.
El guión saca adelante una historia de un proceso judicial en el que la vista es lo de menos. Lo importante es el viaje al interior de los personajes, especialmente el de Anthony Hopkins (como otras veces inteligente, arrogante y perverso), muy bien retratado en los diálogos con Gosling. Como película de género judicial, Fracture es tremendamente convencional pero entretiene y cuenta con algunas secuencias logradas.
Claudio Sánchez

LA PROPOSICIÓN Y FRENCH KISS

2010-03-15T05:43:00.000-07:00

Un buen año

2010-03-15T05:24:00.000-07:00

UP

2010-01-30T07:45:00.000-08:00

De lo mejor que he visto este año.

En el cine, mantener un nivel de calidad es difícil, casi imposible. Quien más quien menos ha experimentado, después del éxito de películas casi redondas, el fracaso de un sonoro patinazo. Desde Spielberg a Coppola hay ejemplos a cientos. Por eso no deja de sorprender la trayectoria de Pixar que cada año entrega al público una película igual o incluso mejor que la anterior. El título de su última joya parece el slogan de un sello que está revolucionando el cine, y no sólo el de animación. Un sello que, además, consigue cosas tan sorprendentes como la ovación en la apertura del festival emblemático del cine de autor o el aplauso unánime de una crítica muy ideologizada que no dudaría en destrozar cualquiera de las ideas que defiende el cine de Pixar si las dijera cualquier otro. Ya se ha dicho que los genios juegan aparte.
Up cuenta una conmovedora historia de amor y de aventuras protagonizada por un anciano, su mujer -presente en cada uno de los minutos que dura la cinta- y un explorador de 8 años gordo y locuaz. Después de verla, sostuve que Wall·E era superior -por original- a Up, pero hay dos grandes salvedades a esta afirmación: el arranque de Up con ese prólogo mudo -apenas diez minutos incalificables- donde se cuenta la historia del matrimonio y el diseño de escenarios donde trascurre la acción, que enlaza directamente con la mejor tradición de Disney y, en algunos momentos, es de una belleza que corta la respiración. El último tramo de Up -que entra de lleno en el cine de aventuras- es quizás más convencional, aunque también cuenta con un pequeño epílogo a la historia romántica que es una maravilla y un ejemplo de cómo con una idea acertada sobre la vida humana se puede conmover a un espectador de cualquier edad.
Pete Docter (Monstruos S.A.) ha sido el encargado de llevar a la pantalla una historia escrita por él mismo, Bob Peterson (que codirigió la película) y Tom McCarthy (Vías cruzadas y The visitor). La mano de McCarthy se nota en el dibujo de los personajes humanos, los más desarrollados hasta el momento en la historia de Pixar. El personaje de Carl Fredricksen, inspirado en Spencer Tracy y Walter Matthau, tiene una sorprendente riqueza de matices, muy alejado de los arquetipos del cine comercial de aventuras. En el fondo, es sólo otro ejemplo de las ventajas que tiene trabajar bien el guión, que es lo que hace Pixar. Por eso -entre otras cosas- en Up pueden hablar del matrimonio, de la fidelidad, de la trascendencia, de la solidaridad, de la primacía de la vida humana sobre la de los animales o de la aventura que encierra una existencia aparentemente monótona mientras entretienen al público y le regalan unas dosis importantes de belleza, locura y sano optimismo. Y por eso también, el sesudo público del festival de Cannes, embutido en gafas de 3D, ovacionó la película de los globos de colores.
Ana Sánchez de la Nieta

HARRY POTTER Y EL PRÍCIPE MESTIZO

2010-01-10T09:22:00.000-08:00

2009-10-25T08:42:00.000-07:00

Clint Eastwood, 78 años, dirige y protagoniza esta notable película, a ratos verdaderamente magistral, sobre un anciano que ha perdido a su esposa y ve cómo su barrio se llena de inmigrantes asiáticos. Eastwood interpreta con una sobrada solvencia a Walt Kowalski, un anciano de origen polaco, veterano de la guerra de Corea y durante muchos años obrero en una fábrica de la Ford. Kowalski cuida como oro en paño de un Ford Gran Torino, modelo al que colocaba el árbol de dirección en la cadena de montaje.
Eastwood no actuaba desde 2004 y, a película vista, es fácil comprender por qué ha decidido asumir este papel. El primer guión de Nick Schenk puede tener aspectos débiles en cuanto a la trama, pero tiene unos personajes y unos conflictos magníficos que evolucionan de una manera muy inteligente. Hay una fluidez muy lograda y secuencias en las que se lucen un manojo de personajes excelentemente dibujados, entre los que brillan una chica adolescente, vecina de Kowalski, y un joven párroco católico, pieza clave de la cinta. A diferencia de otras películas del director de Sin perdón, hay humor y una ternura nada forzada, que resulta muy natural en el contexto de una película dura como todas las de Eastwood.
Como ya les conté, me aburrí de lo lindo en El intercambio, una película casi desganada. Quizás por eso -y porque me habían prevenido contra Gran Torino diciéndome que era otra película alimenticia, más de lo mismo- me lo he pasado especialmente bien. He palpado (esas maravillosas secuencias protagonizadas por la arrolladora Ahney Her: es su primera película) el asombroso sentido del ritmo que tiene el director y actor californiano en sus respectivos mejores momentos. Gran Torino no me parece, en absoluto, una película poco comprometida, al contrario, suenan las mejores notas del mejor cine de Eastwood: baste como botón de muestra la manera de hacer presente en la trama a la fallecida mujer de Kowalski. Con 139 millones de recaudación USA, lideró el box office, y es la película más vista de Eastwood en su país, superando con claridad a Sin perdón y Million Dollar Baby. Rodada con una destreza evidente, tiene un plano final bellísimo, hipnotizante, casi un legado, que te deja pegado a la butaca.
Alberto Fijo. Fila siete.

El hundimiento (2004), Sophie Scholl (2005), La vida de los otros (2006)... El cine alemán vive un gran momento con películas reconocidas internacionalmente. Se trata, además, de un cine capaz de hacer pensar al espectador. Si en El hundimiento se planteaba la famosa pregunta de por qué los propios alemanes no derribaron el nazismo, en La ola se formula otra no menos espinosa: ¿Podría volver a suceder?
Un instituto alemán en la actualidad. Un marchoso profesor se prepara para afrontar con su grupo de alumnos una especie de semana cultural, con clases sobre temas específicos a las que los alumnos se apuntan libremente. En el último momento no dará clases sobre Anarquía sino sobre Autocracia. Al comprobar el desconocimiento de sus alumnos decide poner en práctica un experimento para que los chicos entiendan. Lo que en principio surge como un original divertimento pedagógico da lugar a comportamientos inquietantes.
La película está basada en lo ocurrido en 1967 en un instituto norteamericano, la Cubberley High School de Palo Alto (California). El guión se basa en una obra de Todd Strasser publicada en 1981 que había novelado un ensayo de 1972 titulado “La tercera ola”, escrito por Ron Jones, un profesor de Cubberley. Desde el primer minuto el espectador tiene el difícil papel de creerse el proceso hacia una fidelidad absoluta de un grupo de alumnos de 18 años a un profesor evidentemente carismático. Esta credibilidad se pone en entredicho conforme avanza el metraje y los comportamientos de los alumnos se radicalizan. Parece que el director y coguionista de la película es muy consciente de este peligro, y por eso muestra posiciones distintas entre los alumnos respecto al experimento del profesor: los que lo apoyan hasta niveles extremos (brillante el retrato del “guardaespaldas”), los que dudan de él (algunos alumnos que abandonan inicialmente la clase), y aquellos que se manifiestan en contra de “La ola”.
Dennis Gansel (Hannover, 1972) ha aprovechado la experiencia cosechada en la interesante Napola (2004), en la que ya se acercó a temas y ambientes hasta cierto punto similares. Gansel es muy hábil al mostrar una generación de jóvenes altamente manipulable en la que se hace creíble sus vehementes deseos de pertenecer a algo y de creer en alguien. De esta manera, la cinta retrata a los jóvenes actuales como seres anónimos, enganchados a internet, sin ilusión ni interés por nada que no sea el fin de semana, que desprecian toda cultura que no sea visual y a los que incluso el erotismo de una sociedad hipersexualizada acaba por aburrirles.
El reflejo de esta realidad es posible gracias a unas interpretaciones sobresalientes, en las que es muy difícil acordarse de una frase mal dicha o un gesto mal interpretado. En este sentido el trabajo de dirección de actores es brillante, ya que hubiese sido muy fácil caer en excesos interpretativos.
Por otro lado, la película tiene una gran fuerza visual, con una planificación y un uso de la cámara en mano que dan credibilidad a lo que el guión cuenta sin necesidad de subrayados: la vaciedad de las ideologías radicales, la cercanía entre ellas mismas y su relación con la violencia, la enorme influencia que puede llegar a tener la educación, la debilidad intelectual de buena parte de los jóvenes que comparten incultura y tiempo libre...
Estrenada en marzo en Alemania, la película ha llevado al cine a 2.380.000 espectadores. Con un presupuesto de 5 millones de euros ha recaudado 16. Claudio Sánchez. FilaSiete.

Un congresista de prometedora carrera (Affleck) se prepara para intervenir en un comité que investiga a una empresa adjudicataria de numerosos contratos relacionados con actividades gubernamentales, especialmente en el área de Defensa. Un inesperado y dramático suceso pone en un embarazoso compromiso al político, que pide ayuda a un buen amigo de la universidad (Crowe), conocido periodista en un gran periódico de Washington.
Este thriller político-periodístico es la adaptación a la gran pantalla de una miniserie (6 capítulos de 57 minutos cada uno) de la BBC emitida con éxito en 2003. El director escocés Kevin Macdonald (El último rey de Escocia) ha contado con tres guionistas expertos, un reparto impresionante y una sólida puesta en escena... pero la película no funciona todo lo bien que cabría esperar. El trabajo de escritura de Carnahan (Leones por corderos), Gilroy (Duplicity) y Ray (El precio de la verdad) no logra la intensidad necesaria porque tiene evidentes problemas de estructura y fluidez narrativas, los mismos que tenían las tres películas que acabo de citar. Llama la atención el trabajo de la oscarizada Helen Mirren, que bordea el ridículo, en buena medida por el correspondiente y mayúsculo error en el casting. Por su parte, Crowe es un actor muy poderoso (también en su rotundo físico de jugador de rugby reconvertido al deporte del sillón-ball) pero su personaje no termina de ser convincente.
Una de esas películas que lo tenían todo a favor para arrasar y no pasan del empate, limitándose a ofrecer un retrato apresurado y simplista de la vida política y de la vida periodística.
Alberto Fijo. Fila Siete.

Ella es el partido

2009-09-26T08:11:00.001-07:00

Director: George Clooney
Guión: Duncan Brantley, Rick Reilly. Intérpretes: George Clooney, Renée Zellweger, John Krasinski, Jonathan Price, Stephen Root. 114 min. Jóvenes.
Tercera película dirigida por el actor George Clooney, que, a sus 47 años, afianza el crédito que como realizador le concedió la crítica especializada por Buenas noches y buena suerte. Y es que, en esta historia sobre los orígenes del fútbol americano como deporte profesional que tiene lugar en 1925, Clooney hace gala de su destreza como director y productor mientras remacha su ya conocido talento como actor de comedia.
Conviene señalar que esta es una de esas películas que satisface en la medida en que se ve como lo que es. El título original, Leatherheads (cabezas de cuero), hace referencia a una pieza de la indumentaria de los jugadores de fútbol americano, unos toscos y sanotes hombrones que son los verdaderos protagonistas de la cinta.
Los escasos 31 millones de dólares recaudados en Estados Unidos (la misma cantidad, por cierto, que hizo Buenas Noches y buena suerte, con la diferencia de que esta costó 7 millones de dólares, mientras el presupuesto de Leatherheads es de 58) dan pistas de que esta película se sale de los gustos de las masas. Ciertamente se nota que es un primer guión, y en el ajuste fino hay deficiencias, pero como comedia es sobresaliente.
El guión es de dos prestigiosos periodistas de la principal revista deportiva norteamericana, Sports Illustrated, y responde sustancialmente a la historia real de la transformación del fútbol americano en un negocio con mucho dinero en juego, como ya lo era el béisbol.
Clooney ha rodado la historia con las maneras de una screwball comedy y, dentro de ellas, con el singularísimo tono de dos obras maestras: His Girl Friday (Howard Hawks, 1940) y Los viajes de Sullivan (Preston Sturges, 1941). Diálogos ingeniosos y chispeantes, imaginativos enredos, situaciones de divertida tensión salpicadas de una sutil crítica a las miserias del capitalismo liberal, guerra de sexos, slapstick (humor visual que saca partido a la puesta en escena) y un romanticismo con más sal que azúcar se dan cita en una película elegante y pausada, de una factura impecable, magníficamente interpretada por Clooney y Zellweger, que recuerdan el carisma de aquellas memorables parejas, Cary Grant y Rosalind Russell, Joel McCrea yVeronica Lake. Aceprensa.

2009

2009-08-17T05:28:00.001-07:00

EL TREN DE LAS 3 Y 10

2009-01-11T03:16:00.000-08:00

Guión: Halsted Welles, Michael Brandt, Derek Haas. Intérpretes: Russell Crowe, Christian Bale, Logan Lerman, Dallas Roberts, Ben Foster. 122 min. Jóvenes. (VSD)
Firmado por José María Aresté
Fecha: 5 Septiembre 2008
Ésta es de esas películas que proporcionan la coartada perfecta para acometer un remake a quien lo desee, con independencia de la calidad del original: tan bueno es el resultado final. Porque si ciertamente la versión dirigida por Delmer Daves en 1957 de un relato corto de Elmore Leonard es muy apreciada por los amantes del western, el film de James Mangold se encuentra a su altura medio siglo después, o aun la supera, al insuflarle mayor complejidad en la definición de los personajes y sus motivaciones.
Ben Wade y su banda cometen mil y una fechorías. De una de ellas es testigo el ranchero Dane Evans, hombre honrado y mutilado de la Guerra de Secesión, con una familia que le quiere. Pero su hijo adolescente, William, no comprende el modo en que su padre soporta los abusos de los poderosos, que pretenden hacerse con sus tierras, por las que pronto pasará el ferrocarril y se revalorizarán. Por ello la tentación de admirar el salvaje modo de vida de Ben es grande; y tal tentación crece en grado cuando Ben, hecho prisionero, debe ser custodiado por Dane y otros hombres para que ingrese en la penitenciaría de Yuma. Pues el chico verá muy de cerca a los dos hombres, con sus fortalezas y debilidades.
El western que entrega Mangold es una hábil mezcla de tradición y modernidad. Se rinde homenaje a todas las claves del género, con una historia vibrante, contada con un montaje brioso, de ritmo envidiable, donde no faltan los duelos y las ensaladas de tiros, con un hiperrealismo violento acorde a los tiempos que corren, bien acompañado por la atractiva partitura musical de guitarra de Marco Beltrami.
Al mismo tiempo, hay mimo en la composición de los dos antagonistas –magnífico duelo interpretativo entre Russell Crowe y Christian Bale, a la altura del que mantenían Gregory Peck y Charlton Heston en Horizontes de grandeza– y del hijo de uno de ellos. Así quedan delimitadas las fronteras de lo que está bien y lo que está mal, pero no se hurta la realidad de que en el mundo, entre el blanco y el negro, hay una abundante gama de grises en las actitudes morales. Los matices de uno y otro, la posibilidad de que Ben y Dane acaben basculando hacia el otro lado, sirven para proponer la necesidad de un referente paterno atractivo, tan importante en quien se está convirtiendo en adulto.
También son interesantes los secundarios, como el psicópata interpretado por Ben Foster, que se diría unidimensional, pero que habla de esa violencia irracional y sin sentido que tanto abunda, por desgracia, en la actualidad. Aceprensa

LA PRINCESA PROMETIDA

2009-01-03T02:17:00.000-08:00

THE QUIET MAN

2009-01-02T12:12:00.000-08:00

Una de las obras maestras indiscutibles de John Ford, y canto de amor a Irlanda, la tierra de sus ancestros. Cuenta el regreso a tierras irlandesas del ex boxeador Sean Thornton, que desea dejar atrás su traumático pasado en Estados Unidos, y establecerse así en Inisfree, el lugar de los orígenes familiares, para vivir en paz. Enseguida echa el ojo a una temperamental pelirroja, Mary Kate Danaher, con quien querría casarse, pero las diferencias con su hermano Will por cuestiones de tierras parecen abocar al fracaso las posibilidades de que tal matrimonio se celebre algún día.

El inimitable Ford sabe dotar su historia de una importante carga sentimental, sin hacerse en ningún momento cargante ni empalagoso. Su profundo y suave sentido del humor se hace presente en mil y un detalles, subrayados por el narrador, el católico padre Lonergan (perfecto Ward Bond), que mantiene una cordial rivalidad con el pastor anglicano. Son memorables la escena de amor en la vieja capilla una noche de lluviosa tormenta, y las peleas, especialmente la que tiene lugar en el prado. Y hay momentos realmente divertidos, como cuando el personaje de Michaleen Oge Flynn exclama: "¡Homérico!" tras echar un vistazo a la casa de Thornton... Durante todo el film, Ford homenajea la vida familiar, hogareña hasta el extremo, pintándola de modo idílico, pero aportando también buenas dosis de realidad. John Wayne y Maureen O'Hara hicieron una pareja magnífica, y John Ford ganó justamente el Oscar al mejor director; y además del premio a la fotografía, el film recabó otras cinco nominaciones a la estatuilla dorada. decine21.

TARA ROAD

2009-01-02T12:03:00.000-08:00

Director: Gillies MacKinnon. Guión: Cynthia Cidre, Shane Connaughton. Intérpretes: Andie MacDowell, Olivia Williams, Iain Glen, Stephen Rea, Brenda Fricker. 101 min.

Dos mujeres de mediana edad, una irlandesa y otra americana, deciden intercambiar sus casas para escapar de sendas situaciones de crisis existencial. "Tara Road" está basada en una novela de Maeve Binchy, una popular escritora irlandesa de novelas románticas que ya vio uno de sus "best sellers" adaptado al cine ("Círculo de amigos").

Con una novelita de piscina no se puede hacer una obra maestra del cine. Dicho esto, "Tara Road" se deja ver bien e incluso mucho mejor que otros títulos similares. Parte del mérito se debe a que ninguno de los que cocinan la película es un recién llegado; el realizador británico Gillies MacKinnon tiene en su haber casi una decena de títulos, y en cuanto a la adaptación del libro, la han hecho a cuatro manos Cynthia Cidre y Shane Connaughton ("Mi pie izquierdo") bajo la atenta mirada de la propia Maeve Binchy, que se involucró tanto en el proyecto que pidió salir con su marido en una brevísima escena.

A juzgar por las declaraciones de la escritora "creo que la solución a las crisis, en definitiva, está en nuestras manos: tenemos que hacernos mejores personas", es probablemente el peso del propio texto original el que impide que "Tara Road" a pesar de algunos rasgos de culebrón televisivo se despeñe por terraplenes muy frecuentados y acabe resultando casi original. La cinta cuenta con un elenco de actores estupendo capitaneado por Andie MacDowell y Olivia Williams, un buen diseño de producción y una cuidada fotografía. Aceprensa.

AHORA O NUNCA

2009-01-02T12:00:00.000-08:00

WALL-E

2008-12-25T15:33:00.001-08:00

EL FANTASMA DE LA ÓPERA

2008-12-06T15:48:00.000-08:00

EL PRÍNCIPE CASPIAN

2008-12-01T02:56:00.000-08:00

CONCURSANTE

2008-11-24T08:10:00.000-08:00

Director y guionista: Rodrigo Cortés. Intérpretes: Leonardo Sbaraglia, Chete Lera, Miryam Gallego, Fernando Cayo. 90 min. Jóvenes. (D)
El gallego Rodrigo Cortés debuta en el largometraje con esta comedia ácida sobre el capitalismo, la usura bancaria y el lado oscuro de la sociedad de consumo.
Martín, profesor asociado de Historia de la Economía, ha ganado un concurso televisivo, y el premio consiste en 3 millones de euros en regalos: un yate, una casa solariega, una avioneta, coches Tras la euforia inicial, Martín y su novia se dan cuenta de que el presunto premio es en realidad una ruina que puede acabar con sus vidas.
La película tiene un estilo parecido a "Smoking Room", aunque en un formato narrativo mucho más barroco y experimental, con saltos en el tiempo y un uso insólito de la foto fija. Combina un humor surrealista y muy hilarante con una tragedia progresiva y fatalista.
Leonardo Sbaraglia y Chete Lera son parte de un reparto obligado a hacer interpretaciones tan histriónicas como eficaces. Esta interesante y cáustica película, que tiene guiños caprianos, merecía un final más redondo: sin eso, resulta más una pataleta (¿demagógica?) que una lúcida crítica social. Firmado por Juan Orellana ACEPRENSA

DESPUÉS DE LA BODA

2008-11-24T08:07:00.000-08:00

Guión: Anders Thomas Jensen. Intérpretes: Mads Mikkelsen, Rolf Lassgard, Sidse Babett Knudsen, Stine Fischer Christensen, Christian Tafdrup. 122 min. Adultos. (XD)

Esta película danesa fue candidata al Oscar en la pasada edición, en la que terminó imponiéndose "La vida de los otros", una gran película alemana. Jacob, un danés de cuarenta años, lleva diez en la India. Trabaja en un orfanato que recoge niños de la calle. La institución está en una situación económica desesperada. De pronto, se recibe una oferta inopinada de Jorgen, también danés y de cuarenta y pocos años, un hombre de negocios que está dispuesto a hacer una donación muy generosa. Pero pone como condición que Jacob viaje a Dinamarca para entrevistarse con él. Al término de la primera entrevista, quedan emplazados para la reunión definitiva. Jorgen pregunta a Jacob si tiene planes para el fin de semana. Ante la respuesta negativa, le invita a asistir a la boda de su hija Anna.
"Después de la boda" es el décimo largometraje de Susanne Bier (Copenhague, 1960), que ha producido Zentropa, la compañía de Lars von Trier. Bier, que formó parte del movimiento Dogma, ganó bastante premios con su anterior película de 2004, un duro y desolador drama llamado "Hermanos". Su siguiente película, "Things We Lost in the Fire", cuenta con Halle Berry y Benicio del Toro como protagonistas. La cinta ya está rodada y anda en posproducción, con estreno previsto para el próximo mes de octubre en Estados Unidos.
La introducción es especialmente necesaria para encuadrar "Después de la boda", porque no es otra película más; es una película inmensa, magistralmente escrita, dirigida e interpretada. El autor del guión es Anders Thomas Jensen, bien conocido por películas como "Hermanos", "Wilburg se quiere suicidar", "Open Hearts", "The King is Alive" y "Mifune". Y es evidente que hay algo de cada una de esas películas en "Después de la boda", pero esta tiene una perfección y un equilibrio que no estaban presentes en las anteriores.
Bier cuenta su historia con un aplomo y una sobriedad conmovedoras. Llama la atención la forma en que esquiva el efectismo y la sensiblería. El relato es poderosísimo, con una concepción dramática diferente a la de títulos recientes como "Crash" y "Babel". Aquí no se juega con el azar, todo se confía a unos personajes tan extraordinariamente bien construidos e interpretados que el espectador tiene la sensación de haberlos conocido en una boda del pasado fin de semana. Firmado por Alberto Fijo ACEPRENSA

IRONMAN

2008-11-18T11:09:00.000-08:00

Guión: Mark Fergus, Hawk Ostby, Art Marcum, Matt Holloway. Intérpretes: Robert Downey Jr, Terrence Howard, Jeff Bridges, Shaun Toub, Gwyneth Paltrow, Faran Tahir, Leslie Bibb. 127 min. Jóvenes. (VS)

El neoyorquino de 42 años Jon Favreau (Elf, Zathura) dirige su tercer largometraje, después de una larga trayectoria como actor secundario en cine y televisión. Iron Man es el enésimo superhéroe de los comics Marvel que salta a la pantalla grande. En este caso, se trata de una película entretenida y espectacular, con un personaje que se sale un poco de las convenciones heroicas de los tebeos escritos por Stan Lee y Jack Kirby.
El protagonista, Tony Stark, es un brillante ingeniero, dueño de una industria de armamento muy bien relacionada con el Pentágono. Stark lleva una frívola vida de lujo y desenfreno hasta que en un viaje promocional de uno de sus productos estrella, un misil inteligente, surge un imprevisto...
Se nota que en el guión han participado dos de los autores del texto de Hijos de los hombres, porque el personaje de Stark tiene gracia y chispa y la película no abusa (pudiendo hacerlo, pues el presupuesto sube hasta los 190 millones de dólares) de la parafernalia que suele sepultar este tipo de productos procedentes del cómic.
Sin ser nada del otro mundo, el argumento está bien llevado y hay personajes divertidos. Como en las otras cintas de superhéroes Marvel (Spider-Man, Hulk, Los 4 Fantásticos, Daredevil, X-Men), asistimos a la forja del héroe, en este caso un héroe golfo y prepotente, muy bien interpretado por Robert Downey Jr., al que acompañan grandes actores como Jeff Bridges, Terrence Howard y Gwyneth Paltrow.
Ciertamente el planteamiento es mucho más chispeante que el nudo y el desenlace, y se nota que Favreau es un director muy limitado. El villano, como suele ocurrir, es tosco y esquemático, y hay una tonta e inverosímil concesión erótica; pero la película es amena y divertida, con algunos gags muy conseguidos, como el del enchufe pectoral.Los aficionados a este prolífico subgénero están de enhorabuena porque Hollywood no baja el ritmo: en breve se estrenarán nuevas películas de superhéroes: Hulk 2, con Edward Norton como protagonista, Thor (será divertido ver cómo recrean las visitas del chico del martillo volador a su padre Odín) y Nick Fury (uno de los personajes más simpáticos de Marvel). Firmado por Alberto Fijo . ACEPRENSA

CASABLANCA

2008-11-09T08:50:00.000-08:00

¿Es necesario comentar algo? Tan sólo decir que es de las más grandes de la historia del Cine y que deberíamos verla por lo menos una vez al año (o dos o tres...).

Si alguien sabe donde puedo conseguir el cortometraje "Casablanca revisitada" de José Luis Garci, que me diga. Lo tenía y lo perdí. Una verdadera lástima.

REBOBINE POR FAVOR

2008-11-02T14:49:00.001-08:00

Michel Gondry es sin duda un cineasta diferente. Curtido en el mundo de la publicidad, sus originales spots han sido multipremiados. También es notorio cómo revolucionó el mundo de los vídeos musicales, a partir de su rompedor "Human Behavior" para Björk. En el cine, sus películas tienen justa fama de "raritas", como acreditan Human Nature, ¡Olvídate de mí! (que le valió el Oscar al mejor guión original) y La ciencia del sueño. El film que nos ocupa también tiene su punto "marciano", lo que significa que agradará a su fiel "parroquia", mientras que los desconocedores del mundo de este autor se verán dominados por un desconcierto que puede llevarles a convertirse en nuevos adeptos, o a mostrar el más absoluto rechazo a planteamientos que les pueden sonar a pura y simple tomadura de pelo. Mike es un joven negro que trabaja en el desvencijado y algo cochambroso videoclub del señor Fletcher, una suerte de figura paterna para él. El local, donde se alquilan cintas en VHS (el DVD no ha sido adoptado todavía, frente al posicionamiento de la competencia con las nuevas tecnologías y herramientas de marketing), está situado en un edificio en estado ruinoso, que las autoridades municipales planean demoler si no se acometen enseguida las necesarias reformas. Algo que apena a la pareja, pues allí nació, según asegura la leyenda, la mítica figura del jazz Fats Waller. El mejor amigo de Mike es Jerry, un mecánico algo chiflado, que vive en una caravana. Se le meterá en la cabeza que sus neuronas no funcionan bien por culpa de una central eléctrica, que decide sabotear una noche. Como consecuencia casi se electrocuta, y se queda magnetizado. Lo cual tiene nefastas consecuencias en las cintas del videoclub, pues todas se borran cuando entra en el local. Para arreglar el desastre, en ausencia del señor Fletcher, Mike y Jerry no tienen mejor idea que filmar unas cintas caseras, "remakes" de las cintas borradas, para sustituir a las originales, y alquilarlas a los clientes. Empezarán con Los cazafantasmas, y contra pronóstico la iniciativa resulta todo un éxito. Pronto hay más demanda de películas "suecadas", como empiezan a ser conocidas las nuevas versiones de los filmes. Como puede verse, la trama es puro disparate, y da pie a escenas lindantes con lo surrealista. Resultan graciosos los rodajes de las nuevas películas, hecho todo con un aire chapucero a lo "Ed Wood", o a lo que podía ser una broma de una panda de amiguetes que juegan a la parodia tipo "Aterriza como puedas". De tal modo que a veces la cinta de Gondry tiene ese aire "amateur", como de broma urdida por unos amigos que disponen de una videocámara. De todos modos, y dentro de la pequeña anécdota que es el film, hay buenas ocurrencias, sutiles diatribas al mundo de los grandes estudios y su celo por los derechos de sus películas, o a lo que es el cambio por el cambio, la preferencia inopinada de lo nuevo sobre lo viejo. Hay una apología del trato humano, subrayada en el título, que alude a esa petición típica del videoclub, que espera que sus clientes tengan la amabilidad de devolver las cintas rebobinadas, un modo de pensar en los demás. Y a la hora de apostar por la emotividad, se subraya la importancia de la comunidad, el barrio entero apoyando las películas "suecadas" y el videoclub, lo que concede al film un inesperado aire capriano, especialmente emotivo en la escena de la proyección de la última película, un clímax especialmente logrado. (Decine21 / Almudí)

THE GREAT DEBATERS

2008-11-01T03:12:00.000-07:00

Drama histórico basado en la verdadera historia de Mel Tolson, considerado uno de los mejores poetas afroamericanos que durante los años 30 fue un profesor en Wiley College de Texas, en la materia de Historia Afroamericana. Washington interpretará a Tolson, quien inspiró a sus estudiantes a formar el primer equipo de debate del colegio, que luego derrotaría a Harvard en el campeonato nacional.

ONCE

2008-10-04T15:46:00.000-07:00

Guión: John Carney. Intérpretes: Glen Hansard, Marketa Irglova, Hugh Walsh, Gerry Hendrick, Alastair Foley. Música: Glen Hansard. 85 min. Jóvenes.

“La fórmula es muy simple: dos personas, unos instrumentos, 88 minutos y ninguna mala nota”: así describe Once la crítica aparecida en The New York Times. La película es una pequeña historia rodada con 180.000 euros (ha hecho 9 millones de dólares en la taquilla estadounidense y 350.000 euros en Irlanda), que cuenta en formato de álbum musical la historia de amor entre un músico callejero irlandés, que ayuda a su padre reparando aspiradoras, y una jovencísima pianista checa, que se gana la vida con la venta ambulante. Una historia que, como el propio John Carney –director y guionista– confiesa, quería desarrollar en 10 folios, porque el resto lo iban a contar las canciones.
Esta pequeña cinta, rodada cámara en mano con un estilo desaliñado y un tono alejado de toda afectación (¡y ya es difícil encontrar un musical sin pretensiones!), es una obra maestra, pequeña pero maestra.
Por muchos motivos: porque la música es sensacional y está perfectamente engarzada en la historia... mejor: es la historia; porque las interpretaciones, de una pasmosa naturalidad, son brillantes (los dos protagonistas son músicos y no tienen que hacer grandes esfuerzos para interpretar lo que significa para ellos el arte), y sobre todo, porque tiene un guión de una frescura absolutamente cautivadora y una construcción de personajes que revela una visión del ser humano de un optimismo contagioso.
Hemos visto miles de historias románticas, cientos de musicales y decenas de biopics de músicos, pero la originalidad de Once es ejemplar. John Carney (que antes de rodar películas tocó en The Frames, la banda del protagonista) se aleja absolutamente del tópico tanto al narrar la historia de amor, como al contar el proceso de creación musical. Curiosamente, al alejarse del tópico, se le abren un montón de posibilidades: la protagonista puede ser ingenua –entre otras cosas porque tiene edad de ser ingenua, 17 años cuando rodó la película– sin negociar su integridad, y él puede enamorarse sin acosar; y son amigos; y una banda de rock se pasa una noche de grabación sin chutarse; y te dejo una grabación; y pon tú la letra; y una cosa es la canción y otra la vida; y me arreglas la aspiradora; y mira a ver si coges el acorde; y lloras y te consuelo; y tú tienes tu vida y la respeto; y nadie se arroja por un puente…
A medida que absorbe esta oxigenante dosis de realismo, el espectador se enamora de la historia, de la música y de los personajes. Es lo que le pasó al público en el último festival de Sundance y por eso premió la película. Otra cosa fue la crítica, que parece empeñada en que cine independiente es sinónimo de cine sórdido: ganó Padre nuestro. Me quedo con el público.
Ana Sánchez de la Nieta. Aceprensa.

HELLBOY 2

2008-09-13T12:57:00.000-07:00

Guión: Guillermo del Toro. Intérpretes: Ron Perlman, Selma Blair, Doug Jones, James Dodd, John Alexander, Luke Goss, John Hurt, Jeffrey Tambor. 120 min. Jóvenes.

Algunas veces segundas partes fueron buenas. Hellboy 2 es uno de esos casos. Guillermo del Toro no ha perdido el pulso respecto de la primera película; al contrario: ha madurado, cuenta con que su público ha visto la primera entrega de esta saga, lo que le permite entrar en materia sin tener que presentar a sus personajes, y tiene la imaginación desatada.
La segunda entrega de las aventuras del personaje de cómic inventado por Mike Mignola no está basada en ninguno de los álbumes del diablo rojo que lucha por el bien, sino que es una historia original concebida a medias por Guillermo del Toro y el propio Mignola. La contribución de Del Toro aporta humor, humanidad, barroquismo y –debido a su implicación en el proyecto The Hobbit– un toque mitológico que recuerda al mundo de Tolkien.
Del Toro humaniza a sus personajes convirtiendo a sus monstruos en seres vulnerables que tienen los mismos problemas que nosotros. Abe se enamora y se atreve a soñar que ese amor puede ser correspondido; Hellboy y Liz discuten como cualquier pareja; todos ellos tienen deseos de agradar y de ser apreciados por los hombres, que les necesitan pero les temen. Por si hubiera dudas sobre las intenciones del director, por televisión se pueden ver unas escenas de La novia de Frankenstein.
En el apartado de humor cabe destacar, además de asuntos domésticos, una divertida cuestión de liderazgo: los guionistas han inventado un personaje llamado Johann Krauss, un extraño teutón, con la cabeza llena de reglamentos y de humo, cuya relación jerárquica con Hellboy y su equipo es problemática.
El trabajo del equipo de Del Toro es muy bueno y la película visualmente muy atractiva. Además de las fantasías barrocas propias del director mexicano (recuerdan a las de El laberinto del fauno) se pueden reconocer elementos vistos en Star Wars y en Men in Black. Todo ello al servicio de una historia en la que hay batallas en las calles, batallas en las cloacas, y también en la ciudad perdida donde duerme el ejército dorado.
A pesar de que la historia no deja de ser una anécdota simplista de un personaje de tebeo, la intervención de los elfos, su honor y su empeño por salvar la tierra aportan cierto aire épico de grandeza. Aceprensa.

EN EL PUNTO DE MIRA

2008-09-10T10:35:00.000-07:00

Guión: Barry L. Levy. Intérpretes: Dennis Quaid, Matthew Fox, Forest Whitaker, Sigourney Weaver, William Hurt. 90 min. Jóvenes. (V)
El presidente de los Estados Unidos acude a Salamanca para presidir una histórica cumbre internacional, que puede suponer el fin del terrorismo en todo el mundo. Pero justo cuando inicia su discurso en la Plaza Mayor, recibe varios balazos y, al poco, explota violentamente toda la tribuna. Estos hechos terribles, que conmocionan al mundo entero, son recreados una y otra vez de acuerdo al singular punto de vista de ocho personajes implicados en la trama: una realizadora de televisión, dos agentes secretos de la escolta del presidente, un joven policía español, un turista afroamericano que cree que ha grabado al francotirador con su vídeo, un hombre que discute en la plaza con una misteriosa mujer, una madre con su hija pequeña y el propio presidente de Estados Unidos.
Resulta entretenido este thriller de acción, rodado con agilidad por el inglés Pete Travis (Omagh), bien interpretado por un reparto notable y sugerente en su dosificación de la intriga a través de las diversas perspectivas de los personajes, recurso clásico que ya empleó magistralmente el japonés Akira Kurosawa en Rashomon. Sin embargo, al conjunto le falta empaque formal y calado dramático, sobre todo porque los conflictos de los personajes son demasiado simples y arquetípicos. Además, Travis se muestra poco riguroso en los cambios del punto de vista de narrador, y no logra disimular plenamente que el rodaje de la película se realizó en México, en una meritoria reproducción a escala casi real de la Plaza Mayor de Salamanca. Estos defectos restan autenticidad y vigor a la película, sobre todo entre los espectadores españoles que conozcan Salamanca.
Firmado por Jerónimo José Martín
Fecha: 27 Febrero 2008
Aceprensa

ARIANE

2008-08-28T05:16:00.000-07:00

Dirección: Billy WilderIntérpretes: Gary Cooper, Audrey Hepburn, Maurice Chevalier, Van Doude, John McGiver, Lise Bourdin.Guión: I.A.L. Diamond, Billy WilderMúsica: F.D. Marchetti, Franz WaxmanFotografía: William C. MellorDuración: 130 min.

Frank (Gary Cooper) es un playboy norteamericano de mediana edad que se enamora en Paris de la ingenua y bella Ariane (Audrey Hepburn), hija de un detective privado llamado Claude (Maurice Chevalier). El padre de la joven investigará a este seductor que ha encandilado a su hijita.

Romántica película con el sello de Billy Wilder y con un plantel de estrellas que no pasan por alto, y que han destacado por filmes de este género, como Vacaciones en Roma o Sabrina con Hepburn, Bola de fuego con Cooper o El teniente seductor con Chevalier. decine21

THE CONTRACT

2008-08-26T02:01:00.001-07:00

Guión: Stephen Katz, John Darrouzet. Intérpretes: Morgan Freeman, John Cusack, Jamie Anderson, Alice Krige, Megan Dodds, Corey Johnson, Jonathan Hyde, Bill Smitrovich. 96 min. Jóvenes. (VXD)

Un grupo de asesinos profesionales prepara un “trabajito”. Pero tras cumplir la primera parte del “contrato”, Frank, el líder, sufre un accidente de tráfico, lo que le lleva a ser retenido por la policía, a espera de que lleguen los federales. El tipo manejaba la identidad falsa de alguien ya fallecido, y todo el mundo anda bastante “mosca” porque se trata de un militar que supuestamente cayó en combate. Como sus hombres le necesitan, van a preparar un “golpe” para liberarle. Por otro lado, Ray tiene problemas con su hijo adolescente desde que enviudó, motivo por el que ha previsto una acampada en plena naturaleza, para convivir un poquito más y acercar posiciones. Los caminos de unos y otros van a cruzarse cuando se produce el ataque para liberar a Frank. Con lo que se produce una situación de persecución a varias bandas.
Una película de acción pasablemente entretenida, aunque previsible en su desarrollo y con pasajes más que increíbles. Contiene algunas escenas de colisiones muy bien rodadas –los accidentes de automóvil y el helicóptero estrellándose–, una estupenda fotografía del pasaje natural y dos actores de campeonato: los estupendos Morgan Freeman y John Cusack. El australiano Bruce Beresford es un director avezado, y artesano todoterreno que rueda todo lo que le echen con oficio. Aquí maneja bien la clásica trama de “caza del hombre”, y el conflicto padre-hijo. No favorece al guión la mala idea de añadir detalles de humor en los momentos dramáticos.
Josá María Aresté. Aceprensa.

TRUMAN CAPOTE

2008-08-23T02:33:00.000-07:00

Director: Bennett Miller. Guión: Dan Futterman, a partir del libro de Gerald Clarke. Intérpretes: Philip Seymour Hoffman, Catherine Keener, Clifton Collins, Chris Cooper, Bruce Greenwood. 114 min. Jóvenes-adultos. (V)

¿Qué comparten "Truman Capote" y "Brokeback Mountain"? Ambos filmes están protagonizados por homosexuales. ¿En qué se diferencian? "Truman Capote" es una película honesta. Sin "banderas rosas", hay un serio esfuerzo por ahondar en la figura de un gran escritor, a partir de la decisiva influencia en su vida del brutal asesinato de la familia Clutter, en la América rural de finales de los 50. Lo que nació reportaje periodístico, creció hasta convertirse no sólo en "A sangre fría", la mejor obra de Capote, paradigma de la novela de no ficción, sino en confrontación consigo mismo.
El director casi debutante Bennett Miller, y su guionista Dan Futterman, miran a Capote sobriamente, sin complacencias. Las entrevistas para documentar su libro, permiten el despliegue de elementos biográficos: infancia desgraciada, éxito social, prejuicios por su amaneramiento, devaneos con Hollywood Y perfilan su marcado narcisismo: el asesino Perry Smith le interesa por el reconocimiento de un pasado común, que le hace preguntarse por qué sus vidas son tan distintas.
Ese enamoramiento de sí –el amor más importante del escritor, más que el de sus amantes, o la amistad con Harper Lee– dicta sus acciones, le lleva a aprovechar casi automáticamente su sensibilidad e ingenio, una personalidad manipuladora que cautiva y detecta enseguida los puntos débiles del otro; por ello, al enfrentarse al final del libro –la ejecución de los asesinos– debe hacer un esfuerzo supremo, salir del caparazón.
Philip Seymour Hoffman hace una soberbia interpretación; evita los excesos a que se presta el personaje, lo dota de mil y un matices. El resto del reparto sabe que la película es suya, pero tanto los rostros familiares como los desconocidos (los dos asesinos, elección que sigue las pautas de Richard Brooks en su versión fílmica de "A sangre fría") ayudan, y mucho, a la función.
José María Aresté . Aceprensa

CHARADA

2008-08-23T02:30:00.000-07:00

MISS POTTER

2008-08-22T10:27:00.000-07:00

Director: Chris Noonan. Guionista: Richard Maltby Jr.. Intérpretes: Renée Zellweger, Ewan McGregor, Emily Watson, Barbara Flynn, Bill Paterson. 92 min. Jóvenes.

Diez años ha tardado en volver a rodar el director de "Babe, el cerdito valiente". Y de nuevo Chris Noonan acude a la estructura de cuento, aunque una descripción más académica –y superficial– sería "biopic de una autora inglesa de cuentos infantiles", la leidísima Beatrix Potter (1866-1943). Y, sí, no faltan en la narración las aristas de cualquier vida humana, las sombras que ayudan a dar relieve, pero la mirada de Noonan y su guionista, Richard Maltby Jr., es luminosa, alegre –alguno diría "blandita"– y hasta se permiten alguna licencia fantástica, mayormente los diálogos de miss Potter con los dibujos de sus criaturas, que se animan en algún pasaje.
La película empieza con la joven Potter buscando editor para sus cuentos ilustrados por ella. Algunas escenas retrospectivas nos la presentan de niña, cuando ya apuntaba maneras de contadora de cuentos y prometió no casarse nunca. En el seno familiar, sus ideas de ser escritora solterona parecen locura. Pero gracias a su talento y fuerza de voluntad logrará el éxito, e incluso su corazón quedará tocado por su joven editor.
Un director con más personalidad que Noonan quizá habría hecho algo memorable, cercano a "Descubriendo Nunca Jamás" o "Tierras de penumbra". Aquí tenemos una película amable, que despierta a veces la emoción, sobre todo en el pasaje de la "pintura negra animada". Pero hay caídas de ritmo, falta valentía para mostrar que "la vida es dura", y algunos enfoques –el toque feminista, el segundo enamoramiento– resultan previsibles. Tampoco cabe decir que el reparto esté perfecto. A Emily Watson, "la hermana pasmada", le falta chispa, parece un muñeco inanimado; y Ewan McGregor se muestra algo envarado. Más entonada, pese al abuso de ciertos mohínes, está Renée Zellweger, seguramente muy ilusionada con el proyecto, como parece indicar su crédito de productora ejecutiva. José María Aresté. Aceprensa

BELLA

2008-07-27T13:00:00.001-07:00

Guión: Alejandro Gómez Monteverde, Patrick Million, Leo Severino. Intérpretes: Eduardo Verástegui, Tammy Blanchard, Manny Pérez. 91 min. Jóvenes.

Un restaurante mexicano en Nueva York; en él un cocinero hispano marcado por un pasado doloroso y una camarera norteamericana angustiada al descubrir que espera un hijo. Juntos se ayudarán para poner piezas en los rompecabezas de sus vidas atribuladas.
Esta ópera prima de un realizador mexicano de 30 años –afincado en Estados Unidos, al igual que el productor y actor protagonista Eduardo Verástegui– trata cuestiones interesantes, y lo hace con un planteamiento y un desarrollo infrecuentes en el cine comercial norteamericano, cada vez más estandarizado, en el que los guionistas parecen marcar el paso al ritmo de un disco rayado. Gustará más o menos, pero esta pequeña y emotiva película va por libre y sin complejos, y dice alto y claro cosas sobre el influjo benéfico de la familia, la defensa de la vida del no nacido y la belleza de la fe cristiana.
Con naturalidad y soltura el relato llega y conmueve, aunque ciertamente en algún momento se noten en su vuelo algunas turbulencias de culebrón (esa absurda desaparición de la protagonista, por ejemplo) y una realización un tanto televisiva. El excelente trabajo de la actriz Tammy Blanchard es un compendio de la inteligencia con que los autores de la película han sabido meter presión a una bella historia que tiene puntos en común con Mi familia (1995, Gregory Nava) y la reciente Once (2006, John Carney).
Con un presupuesto de 3 millones de dólares, la cinta ha hecho 8 millones en Estados Unidos, poniendo un nuevo jalón en las estrategias que puede usar un productor para hacer rentable una película pequeña (más, si cabe, una ópera prima) que se sale del guión “oficial”. Bella es, en este último sentido, otro buen ejemplo para productores e inversores. Y es que a fin de cuentas, no les falta razón a los que dicen: “menos quejas y lamentos; escribe una buena historia, busca inversores, rueda en inglés y haz toda la promoción posible”. Albero Fijo. Aceprensa

STARDUST

2008-07-27T12:59:00.001-07:00

Guión: Jane Goldman y Matthew Vaughn. Intérpretes: Claire Danes, Charlie Cox, Michelle Pfeiffer, Robert de Niro, Sienna Miller. 130 min. Jóvenes.

Segunda película del londinense de 36 años Mathew Vaughn, que desde finales de los años noventa ejercía como productor de títulos como Lock & Stock y Snatch, cerdos y diamantes. Stardust es la adaptación a la pantalla de la novela homónima del inglés Neil Gaiman, publicada en 1999, con excelentes ilustraciones de Charles Vess.
El joven Tristán, sencillo e ingenuo dependiente en una tienda del pueblo de Muro, intenta conquistar el corazón de la frívola y coqueta Victoria, que en breve va a casarse con un elegante pretendiente. Enardecido, Tristán le promete traerle una estrella. Para buscarla tendrá que franquear el muro que rodea su tranquila ciudad. Se inicia un viaje contrarreloj poblado de brujas, príncipes herederos y piratas que también buscan la estrella.
Stardust es un hábil cuento de hadas con un tono muy conseguido. Las similitudes con La princesa prometida son claras y hay elementos que aparecían en La historia interminable y en Los Cuentos de Narnia, pero hay que reconocer que la historia de Stardust es imaginativa y original, de forma que no puede decirse que se trate de un mero batiburrillo con préstamos de diversos cuentos de hadas precedentes.
El autor de la novela original es célebre por una oscura y dramática novela gráfica de adultos titulada Sandman, publicada entre 1989 y 1996. La referencia es pertinente porque Stardust (a partir de aquí nos referimos a la película) es lo que podríamos llamar un cuento de hadas para adultos pero menos, es decir, una historia que hará reír a los adultos y atraerá a los más jóvenes. Para los niños no hay graves inconvenientes pero no parece que el humor iconoclasta y ciertas oscuridades en la trama sean adecuados para menores de 12 años.
La cinta, amena y con buen ritmo, cuenta con unas interpretaciones muy divertidas y una trama ingeniosa. La puesta en escena y el diseño de producción son bastante buenos, en gran medida porque toman como modelo las magníficas ilustraciones de la novela original y siguen fielmente las descripciones de un libro bien escrito y lleno de vivacidad. Claire Danes compone a la perfección a la estrella caída, una joven de carácter. El resto del reparto está perfecto. Después del hartazgo de la saga Potter, Stardust es una película fresca y divertida, fantasía socarrona de muy buen nivel. Con un presupuesto de 65 millones de dólares, lleva ganados 80 millones, de los cuales solo 38 corresponden a la taquilla norteamericana. Significativo.
Firmado por Alberto Fijo. Aceprensa

EL CIELO NO PUEDE ESPERAR

2008-07-19T15:22:00.000-07:00

Elisabeth. Una mujer felizmente embarazada, con su bebé a punto de nacer. Pero llegada la hora de dar a luz, el crío, de nombre Milo, se resiste a salir al mundo. En efecto, las almas de los niños que van a nacer esperan su turno pacientemente en un lugar del cielo: pero Milo, que ha oído que la Tierra es un lugar bastante inhóspito, se niega a nacer. Esto provoca una crisis tal que hay que recurrir al ángel Elmore, que durante un día enseñará al niño cómo es la vida en Nueva York, y la necesidad de gente buena que hay en el mundo.

Nick Castle (Daniel el travieso), con guión de Diana Wagman y David Hubbard, entrega una historia de tintes caprianos con muchos puntos de conexión con ¡Qué bello es vivir! Se nos recuerda, en efecto, cómo cada persona tiene su pequeño-gran papel que jugar en la historia de la humanidad. Albert Finney da vida al ángel de la guarda, mientras que el niño Anton Yelchin, a quien vimos en Corazones en Atlántida, es el pequeño que no se atreve a nacer.
decine21

TÚ LA LETRA Y YO LA MÚSICA

2008-07-19T15:18:00.000-07:00

Director y guionista: Marc Lawrence. Intérpretes: Hugh Grant, Drew Barrymore, Brad Garret, Kristen Johnston, Campbell Scott. 106 min. Jóvenes-adultos. (SD)

Alex Fletcher es una apagada estrella de la música pop. En los años ochenta brilló con su grupo pero ahora no es más que una vieja gloria que se gana la vida en el circuito de la nostalgia: actuaciones en convenciones empresariales, cenas de jubilados, parques de atracciones, ferias provincianas, etc. En los divertidos títulos de créditos vemos el estilo macarra de Alex y su grupo.
El representante de Alex recibe una oferta de la cantante pop más exitosa, la excéntrica y caprichosa Cora (un clon de Britney Spears), que quiere que Alex le componga una canción. Entonces aparece Sophie (Drew Barrymore, la niña de "E.T.", magnética como siempre, que demuestra que la hermosura no es solo cuestión de tallaje), una treintañera hipocondríaca que viene a regar las plantas del apartamento del mujeriego Alex, soltero y solo en la vida.
Me parece que la comedia romántica es un género en crisis abierta. Si en algún terreno los guionistas suelen quedarse atascados, es en el de los amores mezclados con risas, penas y dificultades. Esta amena, divertida y tierna película escrita y dirigida por Marc Lawrence no es perfecta e incluye algún detalle de mal gusto, pero tiene un nivel bastante bueno. Lawrence consigue una historia desenvuelta y equilibrada, con una llamativa fluidez, cosa infrecuente en este género, en el que últimamente se ha impuesto un estilo muy televisivo, muy situacional.
"Music & Lyrics" saca todo el partido posible a un guión ingenioso que incluye diálogos con mucha chispa y "gags" de buena calidad. Los protagonistas están muy bien y se les nota cómodos en unos papeles cortados a medida. Un estupendo Hugh Grant –protagonista de "Notting Hill", que muchos consideran la mejor comedia romántica de la última década– canta y baila con mucha gracia. Da gusto ver a los magníficos personajes secundarios (la hermana de Sophie, el "manager" de Alex, la cantante Cora). Lawrence, director de películas mediocres y facilonas como "Miss Agente Especial 2" y "Amor con preaviso", ha subido a primera. Que dure.

Alberto Fijo. Aceprensa.

LA INFANCIA DE IVAN

2008-06-16T03:52:00.000-07:00

Adaptación de la novela corta de Vladimir Bogomolov, publicada en la Unión Soviética en 1957, y cuyo guión se debe al mismo autor. Andrei Tarkovsky la rodó en 1961 casi por casualidad, cuando el director previsto, Eduard Abalov, entregó un film que no satisfizo al Consejo Artístico de Mosfilm. En efecto Mijail Romm, miembro del Consejo, propuso que Tarkovsky, aventajado discípulo suyo, reemplazara a Abalov en la dirección del film. Tenía entonces 29 años, y el director supo aprovechar gran parte del material rodado para entregar una película transida de lirismo, que atrapa en sus fotogramas la muerte de la infancia, el final de la inocencia.
El film cuenta las andanzas de Ivan, un chaval de doce años, que ha perdido a su madre y a su hermana en un lance de la Segunda Guerra Mundial. El chico, que ignora si su padre está vivo, trabaja para el ejército en calidad de explorador, moviéndose con gran habilidad por terrenos pantanosos, a las órdenes de algunos oficiales que le admiran. Al verle evolucionar se diría que estamos ante el `primo lejano´ de un Tom Sawyer o un Huckleberry Finn, y es de imaginar que el dibujo del endurecimiento del chico por las calamidades de la guerra influyó en El imperio del sol, tanto en la novela de J.G. Ballard como en la adaptación cinematográfica de Steven Spielberg. Explicaba el director ucraniano acerca de esa madurez precipitada por el odio y la violencia que los niños a veces tenían reacciones más duras que los adultos, “precisamente porque sus almas eran sencillas, porque estaban todavía privadas de contrastes. Se trata de individuos que llegaron a ser hombres sin haber sido antes niños.”
Tarkovsky conjuga bien las escenas del presente bélico, con otras oníricas que nos retrotraen a una infancia feliz, en que el pequeño Ivan vive una especial comunión con la naturaleza, y disfruta del cariño de su madre, y de los juegos con su hermana. La belleza plástica de los pasajes de ambas etapas de la vida de Ivan es deslumbrante, la fotografía en blanco y negro de Vadim Yusov tiene mucho que ver con los logros contemplativos del cineasta ucraniano. Acerca de las cualidades poéticas de su cine, Tarkovsky asegura: “En el cine no hay que explicar nada, sino remover directamente los sentimientos del espectador. Cuando la emoción se despierta, arrastra consigo a los pensamientos. En eso tenemos que aprender mucho de la poesía que, con muy pocas palabras, transmite una gran riqueza de contenidos emocionales.”
Decine21

UNA CARA CON ÁNGEL

2008-06-13T04:18:00.000-07:00

Año de producción: 1957País: EE.UU.Dirección: Stanley DonenIntérpretes: Audrey Hepburn, Fred Astaire, Kay Thompson, Michel Auclair, Robert Flemyng, Dovima, Ruta Lee.Guión: Leonard GersheFotografía: Ray JuneDuración: 99 min.

Sofisticada comedia musical sobre canciones de George e Ira Gershwin y dirigida por el maestro del género Stanley Donen (Siete novias para siete hermanos, Cantando bajo la lluvia...). En ella, una jovencita que trabaja en una librería (Audrey Hepburn, ¿quién sino podría ser "Una cara con ángel"?) es descubierta por un famoso fotógrafo de modas (Fred Astaire), convirtiéndola en una famosa modelo de revista.
Lo mejor son los números musicales entre la pareja protagonista, demostrando Audrey estar a la altura del ya veterano bailarín tanto en la voz como en los movimientos. Sin embargo, crítica y público la recibieron con frialdad, y es cierto que, a pesar de buenos momentos, le falta algo de chispa. A pesar de todo resultó nominada al Oscar como mejor argumento y guión original (Leonard Gershe), fotografía (Ray June), dirección artística (Hal Pereira, George W. Davis, Sam Comer y Ray Moyer) y vestuario (nada menos que Edith Head y Hubert de Givenchy). Decine21

LA HABITACIÓN DE MARVIN

2008-06-05T09:13:00.000-07:00

He visto con los de 3º de ESO esta película. Ponga a continuación las preguntas que les puse y las respuestas de uno de los alumnos.

1º-. Algunos no dudarían en calificar de fracaso la vida entregada de Bessie (Diane Keaton ) Sin tiempo para enamorarse, ni para tener hijos… ¿Y la recompensa? ¿Piensas que es una fracasada? Explica los motivos.
El trabajo o tarea que realiza Bessie es muy admirable y es un acto de gran amor hacia sus seres más queridos pero, desgraciadamente para ella, no tiene ninguna recompensa material, como lo podría ser el dinero o una familia. Pese a no tener remuneración material, sí que la tiene interior o espiritualmente. Me explico: aunque su hermana no le vea el sentido, como ella misma explica, está muy agradecida de todo el amor y el cariño que a puesto en cuidar a sus familiares; y, muchas veces, esto es más importante que una familia. Además, si no los hubiese cuidado ella, ¿quién lo habría hecho?

2º-. ¿Por qué Lee se marcha de la casa? Describe el proceso que le lleva a cambiar.
Lee se marcha de la casa por su propio egoísmo. Ella solamente piensa en si misma y en como pasar una “buena” vida sin importarle sus familiares. También es consciente del peso que le iba a suponer cargar con su padre y su tía toda la vida. Como no quiere vivir una vida inútil ( como lo consideraba ella ), pues decide marcharse y dejar a su familia. Además, sabe que, a lo mejor, no podría ser peluquera, ni casarse con el chico del que estaba enamorado, ni cursar unos estudios. Debido a las exigencias de esa vida, Lee sigue la suya propia. El proceso de su cambio es el siguiente: ante la petición de su hermana, a la que no veía desde hacía 20 años y que estaba a punto de morir, no se resiste. Además, como el propio título indica, es Marvin quien los hace, de un modo involuntario, reunirse todos junto a él. Todo esto sumado a la idea de poder volver a su casa se hace un “atractivo” que no puede rechazar.

3º-. Define en 4 líneas el carácter de Hank ( Leonardo di Caprio )
Hank es un chaval sumamente rebelde. Tiene 17 años, está en la adolescencia. Es un motivo de su carácter, pero quemar su casa me parece excesivo. Además demuestra claramente su aire de superioridad con respecto de su hermano. Tampoco le gusta que le dominen. Es fácilmente irascible, un poco chulito y burlón. Además está muy decidido.

4º-. Explica el diálogo de la película.
Bessie explica que ya sólo con haber tenido tanto amor en su vida, tanto por su parte como de parte de su padre y de su tía, sólo con eso, su vida ya ha tenido un sentido y no le importaría morir entonces. Sin embargo, Lee no ha podido probar ese amor porque se marchó de la casa. Además, Lee amó a su marido, pero se marchó de casa; y con sus hijos no se lleva muy bien…Bessie destaca la suerte que ha tenido en su vida, pese a lo duro de la misma y las dificultades sufridas.

5º-. ¿Por qué Bessie ni se plantea quitarse del medio a su padre?
Pues por el simple hecho de que es su padre, el hombre que le ha criado, le ha alimentado, cuidado y acogido durante toda su vida. Es en esos momentos cuando se debe de verdad corresponder al amor que uno ha tenido por sus padres y devolverle todo lo que él había hecho cuando ella era una niña. Es un modo muy bonito de agradecerle todo cuanto ha hecho por ella. Además, ella sabe que eso sería eutanasia y que no debe hacerlo.

6º-. Comenta el texto.
En este texto se describe lo sumamente importante que es, aparte de recibir amor, también es importante amar mucho y mostrar este amor. Además, también comenta que es bueno sufrir para aprender a amar más y mejor. El sufrimiento puede ser útil si se une al amor que se siente por otra por persona, así como de hacer más alegre la vida a otras personas. También menciona la frase de Bessie acerca de la felicidad de su vida. Todo puede tener sentido si aprendemos a amar, pero también a sufrir y a convertir este sufrimiento en un verdadero amor.

7º-. Busca información de los actores principales.
-. Mary Louise Streep (n. 22 de junio de 1949), conocida artísticamente como Meryl Streep es una actriz estadounidense más veces nominada en la historia de los Oscar, ganándolo en 2 ocasiones.
Nació en el seno de una familia acomodada. A los 8 años hizo su primera función y poco después decidió ser actriz. Tras finalizar sus estudios trabaja para el Theatre Repertory Company de Phoenix y pronto alcanza el éxito al ser nominada para el "Tony Award" y conseguir el "Outer Circle Award". Debuta en televisión con la serie Holocausto por la que fue premiada con el "Emmy" a la Mejor Actriz. Su debut cinematográfico fue en "Julia" (1976) de Fred Zinneman donde aparece en dos secuencias.Ya en la industria cinematográfica es nominada al Oscar a la Mejor Actriz Secundaria por su trabajo en la película "El Cazador". "Kramer contra Kramer" (1976) le da su primer Oscar en la categoría de mejor actriz secundaria. El segundo lo conseguiría con "La decisión de Sophie". Aunque debutó en el mundo artístico (teatro) con papeles cómicos en los 80, la mayoría de sus trabajos son dramáticos. Obtiene también el Oscar de la Academia Británica y el Globo de Oro por "La Mujer del Teniente Francés".Alcanza el premio "David di Donatello" a la Mejor Actriz Extranjera por la película "Enamorarse". También podemos destacar sus catorce nominaciones más a los Oscars en películas como "La mujer del teniente francés" (1981), "Silkwood" (1983), "Memorias de Africa" (1985), "Tallo de Hierro" (1987), "Un grito en la oscuridad" (1988).Actriz muy original que ha sabido alternar con inteligencia los papeles de mujer enigmática y torturada con los de americana media colocada en un contexto voluntariamente neutro y cotidiano.
Destaca en ella su habilidad para imitar acentos y cambiar de aspecto físico. Se ha casado una sola vez, su marido es escultor y tiene cuatro hijos. Con ellos vive en una granja.

-.Diane Hall (n. Los Ángeles, California, 5 de enero de 1946), conocida como Diane Keaton, es una actriz, directora y productora estadounidense de cine.
Keaton comenzó su carrera en el teatro y debutó en la pantalla grande en 1970. Su primer papel importante fue como Kay Adams en la película El Padrino, pero las películas que formaron sus primeros años fueron las que hizo con su director y coestrella Woody Allen. Sus primeras dos películas para Allen, El dormilón (Sleeper, 1973) y La última noche de Boris Grushenko (Love and Death, 1975), la establecieron como una actriz cómica. Su tercero, Dos Extraños Amantes (Annie Hall, 1977) le significó ganar el premio Oscar como mejor actriz. Keaton ha declarado que ella está: "hecha a medida para la comedia".[1 ]
Keaton aceptó a continuación papeles diferentes para evitar quedarse como el estereotipo de su personaje de Annie Hall. Se convirtió en una consumada actriz dramática, empezando con Buscando al Sr. Goodbar (Looking for Mr. Goodbar, 1977) y fue candidata a los premios Oscar por Rojos (Reds, 1981) y Marvin´s Room (1996). Algunas de sus películas populares más recientes incluyen a El padre de la novia (Father of the Bride, 1991), El club de las primeras esposas (The First Wives Club, 1996), y Alguien tiene que ceder (Something's Gotta Give, 2003). Las películas de Keaton han recaudado en total más de $1.100 millones sólo en América del Norte. Además de actuar, ella es también fotógrafa, corredora de propiedades inmobiliarias y cantante ocasional.
-.Leonardo Wilhelm DiCaprio (nacido el 11 de noviembre de 1974) es un actor estadounidense ganador de un Globo de Oro en el 2004 como mejor actor por su película El aviador. Es conocido por su papel como Jack en Titanic (1997).
Nacido en Los Ángeles, California, hijo de George Di Caprio, un distribuidor de Comics, e Irmelin Idenbirkin. Su padre es mitad italoestadounidense y mitad germanoestadounidense. Su madre es alemana. El nombre de Leonardo viene, porque mientras su madre estaba embarazada, frente a una pintura de Leonardo Da Vinci en Italia, él pateó dentro del vientre. Eso hizo que ella decidiera nombrarlo como el famoso artista. Sus padres se divorciaron cuando tenía un año de edad. Creció en Echo Park, Los Ángeles, California.
Su carrera como actor inició en 1990 cuando fue parte del elenco de la serie de televisión basada en el filme Parenthood. Su debut en la pantalla grande lo hizo en la película Critters 3 (1991).
En 1993 trabajó con Robert De Niro y Ellen Barkin en This boy's life. Ese mismo año también rodó la película ¿A quién ama Gilbert Grape?. Su interpretación de un retrasado mental le valió una nominación al Oscar como mejor actor secundario.
En 1996, DiCaprio protagonizó Romeo y Julieta, en una versión moderna del clásico de Shakespeare.
En 1997 se convierte en superestrella cuando interpretó el personaje de Jack Dawson en Titanic. Esta película se convirtió en el tercer filme más taquillero de todos los tiempos y ganó 11 Premios Oscar de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas. Ha trabajado con algunos de los mejores directores de cine, como por ejemplo Steven Spielberg, Martin Scorsese, Sam Raimi, James Cameron o Woody Allen entre otros.

Este es un trabajo realizado por Jorge Gómez Aguilar con ayuda de Wikipedia. Fue redactado entre los días 2 y 3 de junio en el ordenador. Espero que te haya gustado:

el gato con botas

EL PRECIO DE LA VERDAD

2008-05-27T23:00:00.000-07:00

Director y guionista: Billy Ray. Intérpretes: Hayden Christensen, Peter Sarsgaard, Chloë Sevigny, Rosario Dawson, Hank Azaria. 99 min. Jóvenes.
Entre 1995 y 1998, el joven Stephen Glass se convirtió en un prestigioso periodista gracias a los 41 artículos que publicó en la influyente revista de análisis The New Republic. Pero, un día, una publicación digital denunció la falsedad de un reportaje de Glass sobre un congreso de hackers. La acusación cayó sobre los novatos hombros de Chuck Lane, un joven, honesto y metódico redactor, que acababa de asumir la dirección de The New Republic en sustitución de un periodista carismático, y en contra de la opinión de casi toda la redacción. Finalmente, se comprobó que Glass se había inventado total o parcialmente 27 de aquellos 41 artículos.
Tras escribir películas discretas, como El color de la noche, Volcano o La guerra de Hart, Billy Ray debuta con buen pie como director en El precio de la verdad. Se trata de un interesante drama que denuncia el sensacionalismo periodístico, las miserias de la moral del triunfo a cualquier precio y la vacuidad de la cultura de las apariencias, al paso que elogia el trabajo bien hecho y la madurez en las relaciones profesionales y personales. Este calado dramático y ético del guión da alas a una puesta en escena eficaz, pero con escasa personalidad visual y musical, y a veces algo espesa.
Capítulo aparte merece el reparto. El galáctico Hayden Christensen intriga al espectador casi sin desvelar a su penoso personaje. Por su parte, Hank Azaria, Chloë Sevigny y Melanie Lynskey logran varios buenos momentos en sus leves apariciones. Pero el mejor es Peter Sarsgaard, sensacional en su papel de joven director, por el que optó al Globo de Oro 2003 al mejor actor de reparto. Su personaje y caracterización resumen sin fisuras la profunda reflexión moral que ofrece el film sobre la belleza de la verdad y la fealdad de la mentira. Jerónimo José Martín

SOPHIE SCHOLL: LOS ÚLTIMOS DÍAS

2008-04-30T09:45:00.000-07:00

Hoy he puesto a mis alumnos de 3º de ESO esta película. A mí me ha impactado a ellos no se, no se,...

Les he mandado el siguiente trabajo. Por favor los lectores del blog, decidme en los comentarios que os parece (el trabajo, las preguntas, la película,...)

Sophie Scholl y la Rosa Blanca

La película es lenta, la acción está en los diálogos. No vamos a ver una película para pasar el rato. Vamos a trabajar, por lo tanto poned los 5 sentidos.
Dentro de 1 semana espero vuestras respuestas a estas preguntas en folios blancos.
Puedes enviármelo por email: nperlado@hotmail.com

Hemos visto en el último tema de Sociales diferentes tipos de gobiernos. Las democracias y las dictaduras y estados totalitarios. Pusimos como ejemplo de Estado Totalitario la Alemania Nazi de Hitler. Vimos en el musical de Ana Frank la persecución al pueblo judío.
En esta película nos centraremos más en otros aspectos relacionados con la asignatura de Sociales, pero también de Religión. El 22 de febrero de 1943, a la edad de 21 años Sophie Scholl fue ejecutada por disposición de la Corte Popular de Alemania, , por haberse involucrado en La Rosa Blanca, una organización que redactaba en forma secreta panfletos que pedían el final de la guerra y denunciaban enfáticamente los actos de barbarie nazis.
La Gestapo había estado buscando a los autores de los panfletos desde que apareciera el primero. A medida que el lenguaje de los folletos se hacía más vehemente, redoblaron sus esfuerzos. Arrestaron a personas ante la menor sombra de sospecha.

1. Sophie es una enamorada de la vida, y como cualquiera de nosotros, no desea morir, pero aún así, permanece leal a sus convicciones y sus creencias.¿Cómo consigue enfrentarse a la muerte? Describe que sentido encuentra ella a su muerte.
2. ¿Cómo se puede soportar la injusticia? ¿Por qué Sophie no se derrumba ante la presión a que es sometida?.
3. Explica la siguiente frase de Sophie ante el General Mohr: “la ley cambia, la conciencia no”.
4. ¿Qué opinión te merece el tribunal conocido con el nombre “corte del pueblo”? ¿Cómo es la justicia para este tribunal?
5. Comenta el siguiente diálogo de la película:

Sophie: ¿Cree que he sido maleducada, porque tengo compasión de esos seres humanos?
Mohr: Esa vida no es digna de ser vivida. Usted ha hecho prácticas de enfermera, se habrá encontrado con casos de deficientes.
Sophie: Precisamente por eso sé que nadie está legitimado, sean cuales sean las circunstancias, para llevar a cabo un juicio que está reservado a Dios. Nadie puede saber qué sucede en el alma de un enfermo mental. Nadie puede saber qué tipo de oculta madurez interna puede brotar del dolor. Cada vida es preciosa.
Mohr: Tiene que acostumbrarse a que por fin alborea un nuevo tiempo. Lo que dice es sentimentalismo: no tiene que ver con la realidad.
Sophie: Lo que digo tiene que ver con la realidad: con la ética, con la moral y con Dios.

6. Los personajes tienen casi vuestra edad. Piensas que una persona de tu edad puede implicarse hasta la muerte por defender un ideal. Explícalo.
7. Para ti, ¿por qué ideales merece la pena luchar y… morir?. ¿Por qué?
8. Los estados actuales con frecuencia toman muchas decisiones sobre que es lo bueno para sus ciudadanos, educar a los jóvenes como buenos ciudadanos según modelos éticos concretos, adoctrinar a la población y el famoso “pan y circo” de los romanos. ¿Qué medidas deben tomar los ciudadanos de estos países (¿estará España entre ellos?) para evitar el adoctrinamiento ético y moral?
9. Busca información sobre los miembros de “La Rosa Blanca” ejecutados, nómbralos y escribe una breve biografía (no más de 5 líneas cada uno).
10. Haz un breve resumen de la película.

Gracias por vuestros comentarios.

ESTACIÓN CENTRAL DE BRASIL

2008-04-08T09:19:00.000-07:00

Director: Walter Salles. Guión: João Emanuel Carneiro y Marcos Bernstein. Intérpretes: Vinicius de Oliveira, Fernanda Montenegro, Marilia Pêra. 106 min. Jóvenes.

La película Estación Central de Brasil (Central do Brasil), de Walter Salles, se está convirtiendo en la gran sorpresa de la temporada. Por ahora, ha ganado el Premio Cinema 100, al mejor guión, del Sundance Institute; el Oso de Oro a la mejor película y el de Plata a la mejor actriz (Fernanda Montenegro) en la Berlinale 1998, y los Premios del Público y de la Juventud en el 46 Festival de Donostia/San Sebastián. Este envidiable palmarés confirma la alta calidad de la película, punta de lanza del renacimiento del cine brasileño y una sugestiva aportación al nuevo cine social, género en auge desde hace varios años.
El éxito en 1995 de El cuarteto (OQuatrilho), de Fabio Barreto, y la candidatura al Oscar 1997 a la mejor película en habla no inglesa de Cuatro días de septiembre (O que é isso, companheiro?), de Bruno Barreto, ya anunciaron que algo se estaba moviendo en el cine brasileño, casi moribundo en la primera mitad de los noventa. Pero los hermanos Barreto han desarrollado en Hollywood parte de sus carreras. De modo que es más significativa la excelente acogida internacional que está teniendo Estación Central de Brasil, dirigida por Walter Salles, un cineasta de 42 años nacido en Río de Janeiro, donde ha desarrollado casi toda su producción.
Hasta ahora, Salles era conocido sobre todo por sus documentales Socorro Nobre y Krajcberg, o poeta dos vestígios, que cosecharon numerosos premios. En 1995 codirigió con Daniela Thomas el también multigalardonado largometraje de ficción Terra estrangeira. Y el mismo dúo ha dirigido hace poco el film Minuit, para la cadena de televisión franco-alemana Arte.
Quizá el mérito principal de Walter Salles haya sido el de cambiar el rumbo de una cinematografía bastante estática, como la brasileña, abriéndola a los estilos fílmicos en boga, pero sin renunciar al rico sustrato que nutrió el Cinema Novo brasileño de los años 50 y 60. Un sustrato que dio al cine directores de la talla de Nelson Pereira dos Santos, Lima Barreto, Roberto Santos, Glauber Rocha o Ruy Guerra."Novo Cinema Novo"
Salles ha revivido el espíritu de aquellos creadores tomando como modelo el nuevo cine social europeo. En una mirada atenta de Estación Central de Brasil se pueden descubrir muchas de las claves estilísticas y éticas de directores como los británicos Mike Leigh (Secretos y mentiras), Ken Loach (Lloviendo piedras), Peter Cattaneo (The Full Monty) o Mark Herman (Tocando el viento); el francés Robert Guédiguian (Marius y Jeannette); el italiano Gianni Amelio (Lamerica) o el finlandés Aki Kaurismäki (Nubes pasajeras). Salles reconoce su deuda con ellos, así como su fascinación por los cineastas chinos Chen Kaige (Adiós a mi concubina), Zhang Yimou (¡Vivir!) y Hou Hsiao Hsien (El maestro de marionetas).
Estos excelentes puntos de referencia facilitan a Salles un atractivo equilibrio estético y antropológico, que le permite purificar las deformaciones ideológicas –la mayoría, de raíz marxista– del cine político de hace décadas y, a la vez, distanciarse de las frívolas visiones hedonistas -carnavales, samba y demás- que ofrecen de Brasil otras películas recientes, como Tieta de Agreste, de Carlos Diegues. "Prefiero retratar la vida real de la gente –ha señalado Salles–, no la imagen que nos quiere dar la Oficina Central de Turismo de Brasil; ni la opuesta, la de un país hundido en la miseria y la violencia, y en el que nada puede cambiar. Es mentira que no pueda cambiar".
No es de extrañar que la revista francesa Cahiers du Cinéma haya inventado para él, y para otros directores brasileños de su generación, el término Novo Cinema Novo. Una expresión que podría tener equivalentes en otros países latinoamericanos, donde algunos directores están llevando a cabo su particular proceso de purificación del marxismo, sin renunciar a un cierto rescate de los restos de su naufragio. Ahí estarían, por ejemplo, los argentinos Eduardo Mignogna (Sol de otoño) y Eduardo Milewicz (La vida según Muriel), o los chilenos Andrés Wood (Historias de fútbol) y Sergio Castilla (Gringuito).Una historia universal
El interés universal de esta especie de nuevo neorrealismo se aprecia en el espléndido guión de João Emanuel Carneiro y Marcos Bernstein. Su argumento aprovecha la idea clave del documental Socorro Nobre, del propio Salles, que describe la singular relación epistolar entre una presidiaria iletrada y un anciano y culto escultor, que hace preciosas esculturas a partir de troncos quemados. Esa correspondencia sirvió a la mujer para encontrar un nuevo sentido a su trágica vida.
En Estación Central de Brasil, esa capacidad redentora de las relaciones humanas, incluso en forma epistolar, late a lo largo de toda la azarosa odisea del protagonista, un chaval de nueve años llamado Josué. Al morir su madre, Josué es rescatado de la calle por Dora, antigua maestra, pícara y encantadora, que se gana la vida escribiendo cartas a las personas analfabetas en la principal estación ferroviaria de Río de Janeiro. A ella acuden obreros, campesinos y sirvientas con la esperanza de encontrar a familiares desaparecidos, de hacer revivir amores marchitos o, simplemente, de ser escuchados.
Con el tiempo, Dora se ha endurecido, hasta el punto de que ha olvidado la trascendencia de su trabajo y lo considera como una simple fuente de ingresos. Así que ahora selecciona con indiferencia las cartas que deben ser enviadas y las que no. Pero su encuentro con Josué le va a cambiar la vida. Primero intenta sacare partido económico al chaval, vendiéndolo a una turbia organización de adopciones ilegales y tráfico de órganos humanos. Pero su balbuceante conciencia la obliga a rectificar y a enfrentarse con esa violenta mafia. De modo que a Dora sólo le queda una salida: ayudar a Josué a encontrar a su padre, desaparecido desde hace años. Ambos emprenden así un largo viaje hacia el noreste de Brasil, que les unirá el uno al otro, les enfrentará con estilos de vida mucho más humanos que los de la gran ciudad y les devolverá la ilusión de vivir.Cine de búsqueda
Salles ha definido Estación Central de Brasil como una película de búsqueda –"Un niño que busca a su padre, una mujer que busca su corazón y una nación que busca sus raíces"–, que trasciende su apariencia intimista jugando con el recurso de que, en portugués, padre (pai) y país (país) son casi la misma palabra. Y ha logrado recrear esa búsqueda de una identidad perdida –personal y nacional– con optimismo y apertura de miras, pero sin rebajar su alto contenido dramático, social y moral.Walter Salles da instrucciones a Vinicius de Oliveira y a Fernanda Montenegro durante el rodaje de Estación Central de Brasil.
Este enfoque aprovecha al máximo la sugestiva concepción que tiene Salles del hecho de viajar, en cuanto posibilidad de conocer nuevos estilos de vida, aceptar la diferencia y ganar en tolerancia. De modo que consigue un equilibrado fresco humano, siempre entrañable y a ratos bastante divertido, que da muchas luces sobre las consecuencias del individualismo materialista, a la vez que exalta la poderosa capacidad transformadora del afecto familiar, la amistad, la solidaridad y el amor; en definitiva, de la apertura a los demás.La religión como fuente de solidaridad
Sorprende especialmente el sugerente tratamiento que se da a la religión. Desde las primeras secuencias en la estación, con su singular capilla pública, hasta la populosa procesión del Niño Jesús, Salles mira a la religión con respeto, como una fuente de solidaridad y de ganas de luchar para mucha gente. En boca de un divertido camionero evangelista pone el guión esta declaración de principios: "Todo es cuestión de voluntad; sólo Dios tiene el poder". Y es también muy significativo que Salles eligiera para la promoción internacional de su película un fotograma en el que aparece Josué en lo alto de la cabina de un camión, justo encima del lema "Com Deus sigo o meu destino".
No renuncia Salles a hacer una cierta distinción crítica entre el sentimentalismo un tanto vacío y puritano de las sectas protestantes, y el vitalismo, más realista y pegado al terreno –aun en su versión folclórica–, del catolicismo. Sin embargo, casi siempre mantiene una mirada compresiva y cariñosa a ambas realidades. Al fin y al cabo, a él le interesa más la eficacia emocional que le permite el rico mestizaje cultural característico de la sociedad brasileña, elemento clave de esa identidad perdida que la película propugna recuperar tras varias décadas de perniciosos movimientos migratorios, dentro del propio Brasil y hacia el extranjero. El riesgo de esta visión es que la religión quede reducida a un simple dato ambiental. Pero, en Estación Central de Brasil, el distanciamiento inicial se convierte, por misteriosos mecanismos, en una clara implicación final, de modo que esas convicciones religiosas acaban por empapar también a los personajes principales.Rica iconografía
Todo lo dicho enriquece enormemente la ágil y esmerada puesta en escena. La clave quizá esté en que Salles ha puesto la rica iconografía externa al pleno servicio de los personajes, a los que llenan de humanidad un excelente elenco de actores. En sus trabajos se aprecia especialmente esa atractiva combinación de madurez y frescura que caracteriza al conjunto de Estación Central de Brasil, y sobre todo en las soberbias interpretaciones de la veterana Fernanda Montenegro y del niño Vinicius de Oliveira, que debuta en esta película.
El caso es que la ternura, la piedad, el dolor, las ganas de luchar del argumento tienen su correspondiente reflejo visual en una realización llena de lirismo y credibilidad, que logra plenamente esa "integración orgánica de idea y forma" que, según el gran cineasta ruso Andrei Tarkovski, define a las verdaderas obras de arte. Jerónimo José Martín.

LOS CUATRO FANTÁSTICOS Y SILVER SURFER

2008-03-31T03:11:00.001-07:00

Director: Tim Story. Guión: Don Payne. Intérpretes: Ioan Gruffud, Jessica Alba, Chris Evans, Michael Chiklis, Julian McMahon. 92 min. Jóvenes (S)

Los Cuatro Fantásticos se enfrentan a su mayor desafío en Los 4 fantásticos y Silver Surfer, cuando el enigmático e intergaláctico heraldo, Silver Surfer, viene a la tierra para preparar su destrucción. Mientras avanza por todo el globo sembrando el caos, Reed, Sue, Johnny y Ben deben desvelar el misterio antes de que llegue el fin. Los 4 Fantásticos dirigida por Tim Story y estrenada en las salas el verano del 2005, obtuvo unos ingresos mundiales brutos de 330 millones de dólares y se convirtió en uno de los títulos en DVD con más éxito en la historia de la Twentieth Century Fox.
Silver Surfer se une a la familia de superhéroes del universo Marvel Comics, incluyendo a Ioan Gruffudd como Reed Richards, que puede estirarse y dar forma a su cuerpo a voluntad, y conocido como Mr. Fantástico, líder del grupo; Jessica Alba es Sue Storm, capaz de hacerse invisible así como crear y proyectar campos de fuerza, conocida como la Mujer Invisible; Chris Evans es Johnny Storm, conocido como la Antorcha Humana, porque puede convertir su cuerpo en llamas y volar a voluntad; y Michael Chiklis como Ben Grimm, cuya terrible transmutación en un cuerpo de roca con fuerza sobrehumana le ha llevado a ser conocido como La Cosa. Julian McMahon retoma su papel en los Cuatro Fantásticos como el némesis de mirada acerada y puños de hierro del grupo, el Dr. Muerte. Kerry Washington regresa como objeto del amor de Ben, la escultora invidente Alicia Masters.
Con Los 4 fantásticos y Silver Surfer, los cineastas son capaces de expandir el alcance de la primera película e introducir nuevos personajes y nuevas aventuras dentro del ambiente del mejor equipo de superhéroes del mundo. El director Tim Story explica: "Tenemos un nuevo personaje en escena, Silver Surfer, precisamente uno de los personajes de cómic más geniales de todos los tiempos. Así es que hemos aumentado las apuestas con más escenas de acción, acrobacias y más personajes y situaciones generados por ordenador. Con el origen de la historia firmemente establecido, el guionista de Los 4 fantásticos y Silver Surfer, Don Payne, un entusiasta de los cómics de Los 4 Fantásticos, se preparó para dar el siguiente paso dentro de la serie. "Quería que esta película fuera esa rara ocasión en la que la secuela es mejor que la original, con más agitación, más drama, más humor, más acción", comenta Payne. "También deseaba explorar en qué punto de sus vidas se encuentran los personajes. Económicamente están mucho mejor situados, pero se enfrentan al inconveniente de su celebridad. Sue y Reed avanzan en su relación e intentan casarse. Ben y Alicia disfrutan al ser una pareja feliz, mientras que Johnny tiene sus propias dificultades. De forma que se están produciendo hechos apasionantes en las vidas y relaciones de los personajes. Pero sobre todo me encanta la dimensión que añade Silver Surfer".
Fila Siete.

EL DIABLO SE VISTE DE PRADA

2008-03-20T05:31:00.000-07:00

Director: David Frankel. Guión: Aline Brosh McKenna. Intérpretes: Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt, Stanley Tucci, Adrian Grenier. 109 min. Jóvenes-adultos. (SD)

Descripción: En el vertiginoso mundo de la moda en Nueva York, donde la talla 0 es la próxima 2, la seis es la nueva 8 y un mal peinado puede acabar con tu carrera, la revista Runway es el Santo Grial. Dirigida con puño de hierro y elegante manicura por Miranda Priestly - la mujer más poderosa en el mundo de la moda - Runway es un terrible reto para todo aquel que quiera triunfar en este mundo. Para convertir Runway en la biblia de la moda de Nueva York y por lo tanto de todo el mundo, Miranda no ha dejado que nada se interponga en su camino… incluyendo una larga lista de ayudantes que no han dado el nivel. Es un trabajo en el que una persona con autoestima no podría sobrevivir, aunque es una oportunidad por la que matarían un millón de chicas en Nueva York. Trabajar como ayudante de Miranda podría abrir cualquier puerta a Andy Sachs, recientemente graduada. Más que modelo de alta costura es una chica desaliñada, y destaca en el pequeño ejército de guapísimas periodistas de la moda del equipo de la revista Runway - superdelgadas divas de la moda que clavan sus zapatos de aguja en los pasillos de la oficina central de la publicación en Manhattan. Pero cuando entra Andy a trabajar, empieza a entender que para triunfar en este negocio va a necesitar algo más que iniciativa y determinación. Y la prueba definitiva está delante de ella, vestida de pies a cabeza de Prada. Miranda puede hacer girar el mundo de la moda como una pelota de baloncesto, pero para ella es una pesadilla encontrar a una ayudante que le dure. Andy no es la persona idónea para el trabajo, pero tiene algo de lo que carece el resto de las aspirantes: se niega a fracasar. Para convertirse en la asistente perfecta, Andy tendrá que cambiar la imagen que Miranda se ha hecho de ella. Pronto, para consternación de su novio (Adrian Grenier), aprende a utilizar la jerga del negocio al hablar y a comportarse como una auténtica experta de la moda (sobre unos inmaculados Manolos), no confundiendo nunca jamás a Dolce con Gabbana. Pero cuanto más ve la vida a través de los ojos de Miranda, más empieza a entender que el mundo de Miranda es fabuloso pero muy solitario - y que a veces para tener un gran éxito hay que hacer un enorme sacrificio… ¿pero a qué precio?. www.galaxia-video.com.

Cruela de Vil, digo, Miranda Priestly es la redactora-jefe de "Runway", una prestigiosa revista americana de moda. La redacción de "Runway" es lo más parecido a una pasarela, donde los periodistas-modelos desfilan al son de la música de su despótica jefa. Son las reglas del juego. Las que tendrá que aprender Andrea Sachs, la última becaria fichada por Miranda, si quiere mantener el puesto.
En el año 2003 Lauren Weisberger escribió "El diablo viste de Prada", un "best-seller" aplaudido por el público y criticado por la prensa, sobre todo, la especializada en moda. No era susceptibilidad; Weisberger había trabajado como becaria en "Vogue", a las órdenes de Anna Wintour, jefa de la edición americana de la famosa cabecera francesa y una de las personas más influyentes en el mundo de la moda.
A estas alturas se habrán dado cuenta de que la tirana Miranda Priestly es Anna Wintour y que la película es una cruel radiografía del mundo del periodismo y la moda, vestida de comedia ligera.
La película es previsible, pero David Frankel ha contado con un guión inteligente y, a ratos, divertido, que recoge algunas ideas certeras sobre el precio de la fama. Si, además, tienes un buen envoltorio técnico y en el reparto un valor seguro –Meryl Streep– y a un inspiradísimo Stanley Tucci, el resultado es un producto muy superior a comedias similares.
Además, para que todo acabe bien, Anna Wintour se ha tomado la película con humor y acudió al preestreno vestida ¿cómo no? de Prada. Eso sí, se marchó a la mitad.

Ana Sánchez de la Nieta Aceprensa

JOHN RAMBO

2008-02-25T11:45:00.000-08:00

Guión: Sylvester Stallone. Intérpretes: Sylvester Stallone, Julie Benz, Paul Schulze, Matthew Marsden, Graham McTavish. 92 min. Adultos. (VXD)

Veinte años después del estreno de Rambo III, el ya sexagenario Sylvester Stallone ha escrito, dirigido y protagonizado esta cuarta aventura fílmica del popular soldado de élite, que está haciendo una notable taquilla en Estados Unidos. Esta vez, John Rambo abandona su vida tranquila en Tailandia para conducir a la peligrosa Birmania a un grupo de misioneros cristianos, que llevan medicinas, alimentos y biblias a una zona selvática devastada por la guerra civil. Finalmente, el ex boina verde se implicará de lleno en el conflicto, junto a un grupo internacional de mercenarios, cuando los misioneros son secuestrados por una brutal facción del ejército birmano.
Se luce Stallone en su habitual interpretación estólida y sentenciosa, así como en su poderosa puesta en escena, narrativamente ágil y muy impactante en las secuencias bélicas, poco verosímiles, pero siempre claras y precisas. También funciona estéticamente su iconografía religiosa en torno al infierno birmano, el cielo que intentan traer los misioneros y el purgatorio permanente en el que vive Rambo, y del que en el fondo ansía escapar. Sin embargo, el conjunto se devalúa por un pesimismo excesivo –que, en cierta manera, asume la imposibilidad de mejorar las cosas–, así como una violencia claramente desmesurada y un poco sádica.

ACEPRENSA

ALGUNOS HOMBRES BUENOS

2008-02-25T11:33:00.000-08:00

Dirección: Rob ReinerI ntérpretes: Tom Cruise, Jack Nicholson, Demi Moore, Kevin Bacon, Kiefer Sutherland, Kevin Pollak, James Marshall, Wolfgang Bodison, J.T. Walsh, Noah Wyle, Cuba Gooding Jr. Guión: Aaron Sorkin Música: Marc Shaiman Fotografía: Robert Richardson Duración: 141 min. Público apropiado: Jóvenes-adultos Género: Thriller

El teniente Kaffe (Tom Cruise) es un ambicioso joven abogado, con un brillante futuro por delante. Tiene un puesto como abogado de la Marina, donde en poco tiempo se ha ganado una justificada excelente reputación. En la base cubana de Guantánamo, en Cuba, un marine aparece muerto. Los aparentes culpables son dos de sus compañeros, que se excedieron en la brutalidad de una novatada. Kaffe es el encargado del caso. Se le asigna una bella ayudante, interpretada por Demi Moore. Ambos no piensan que vaya a ser complicado. A primera vista parece sencillo, porque todo indica que el novato sufrió un accidente. Pero según se adentran en la investigación, descubren una serie de pistas que implican seriamente a los compañeros del muerto. El rudo Comandante en Jefe de la base, interpretado por Jack Nicholson, parece dispuesto a colaborar en el esclarecimiento de los hechos. A medida que avanzan en sus hallazgos, Kaffe y su ayudante deberán enfrentarse con él.
Un thriller sensacional sobre un oscuro caso de asesinato y encubrimiento en la marina norteamericana. Cuenta con unos actores de gran categoría. Jack Nicholson está impecable. Cautiva al espectador desde el principio hasta el final, y consigue un alto grado de intriga.

decine21.

EN LA CUERDA FLOJA

2008-02-03T13:13:00.000-08:00

Director: James Mangold. Guión: James Mangold, Gill Dennis. Intérpretes: Joaquin Phoenix, Reese Witherspoon, Robert Patrick, Ginnifer Goodwin. 136 min. Jóvenes-adultos. (S)

Sexto largometraje del neoyorquino de 41 años James Mangold ("Girl Interrupted", "Cop Land", "Identity", "Kate & Leopold"). Este emotivo "biopic" sobre el cantante "country" Johnny Cash ha recaudado casi 100 millones de dólares en EE.UU., una excelente taquilla si se considera que su presupuesto no llegaba a los 30.
La cinta, decididamente comercial, tiene los ingredientes para gustar al gran público aficionado a las historias de superación según los patrones convencionales de Hollywood: la compleja personalidad de Cash (desvalido y tímido, por una parte; fuerte, apasionado e impulsivo, por otra); una música cautivadora y emotiva, con fuerza y ritmo; una tortuosa historia de amor como eje de la narración.
Cash (1932-2003) fue un artista de gran personalidad, un pionero desde el punto de vista estilístico, que fue referencia para posteriores celebridades del "folk rock", el "country", el "punk", e incluso el "rap". En las dos horas largas de metraje (quizá excesivas, aunque se soportan muy bien), los guionistas hacen un retrato impresionista de algunos períodos de la vida de Cash, desde su triste infancia hasta los momentos de éxito y celebridad.
La estructura del guión de "Walk the Line" (el título original es el de una canción compuesta por June Carter) tiene muchas similitudes con otro reciente y premiado "biopic", "Ray". En ambas películas, hay descenso a los infiernos y resurgimiento, ambas comienzan con una infancia traumática. En ambas, se percibe que los guiones no miden bien los saltos temporales y descuidan la evolución de los personajes.
La música, sin duda, es la gran protagonista. Y suena muy bien, en parte, gracias a las sobresalientes interpretaciones de Phoenix y Witherspoon, ambos premiados con el Globo de Oro. El responsable musical de la película es el especialista en música étnica T Bone Burnnet ("O Brother!"), que realiza un trabajo impecable, con varios momentos llenos de intensidad, entre los que se lleva la palma la brillante versión de "Ring of Fire".
El otro pilar de la película es la historia de amor entre Cash y la cantante y compositora June Carter. Gracias a June, Cash vuelve a la práctica religiosa y consigue superar su adicción a las drogas, para resurgir de nuevo como músico de fama y prestigio.
En 1954, antes de iniciar su carrera musical, Cash se había casado con Vivian Loberto. Sin ánimo de juzgar vidas ajenas, no se entiende el desmedido afán del guión por manipular emocionalmente al espectador: Vivian aparece con un carácter poco comprensivo y antipático, cuando todo parece apuntar a que la adicción a las drogas de Cash fue la causa de divorcio acaecido en 1966.
Sofía López. Aceprensa.

SCHOOL OF ROCK

2008-02-03T13:07:00.000-08:00

The School of RockDirector: Richard Linklater. Guión: Mike White. Intérpretes: Jack Black, Joan Cusack, Mike White, Sarah Silverman, Kevin Clark, Robert Tsai, Joey Gaydos Jr., Rebecca Brown. 108 min. Jóvenes.

Dewey es el colgado, perezoso e histriónico guitarrista de un grupo de rock de tercera fila. Un día le echan del grupo y el amigo que le acoge en su casa le da un ultimátum para pagar el alquiler. Presionado por todas partes, este adicto del rock se hace pasar por su amigo, que es profesor, y logra entrar como sustituto en una prestigiosa escuela privada de primaria. A espaldas de la rígida directora y en connivencia con sus jóvenes alumnos, Dewey monta con ellos un agresivo grupo de rock con la secreta intención de participar en la Batalla de Bandas.
Después de películas tan discutibles como Antes del amanecer, SubUrbia o Waking Life, el cineasta independiente Richard Linklater da un giro hacia la comercialidad en Escuela de rock, que ha tenido un notable éxito de taquilla en Estados Unidos. Ciertamente, su visión contracultural y ácrata del rock resulta bastante superficial y puntualmente soez. Además, Jack Black se pasa de rosca más de una vez. Sin embargo, la historia nunca pierde un amable tono familiar, caen simpáticos su espíritu crítico y su ingenuo idealismo, y depara varios pasajes muy graciosos, en los que brilla el desparpajo de los niños protagonistas y la riqueza de recursos de Joan Cusack. Además, la banda sonora recuerda algunas de las mejores canciones del rock y ofrece algunos nuevos temas, bastante brillantes, compuestos específicamente para la película. Jerónimo José Martín. Aceprensa.

DIARIOS DE LA CALLE

2008-01-06T04:05:00.000-08:00

Director y guionista: Richard LaGravenese. Intérpretes: Hilary Swank, Patrick Dempsey, Scott Glenn, Imelda Staunton, April L. Hernandez. 123 min. Jóvenes. (D)

Erin Gruwell es una joven blanca, recién licenciada, muy orgullosa de su padre, un liberal que luchó en su época por los derechos civiles. Deseosa de estar a la altura de su padre, consigue trabajo en el conflictivo instituto Wilson, de Long Beach, donde los experimentos de integración racial en las aulas, en las que conviven blancos, negros, hispanos y asiáticos, no parecen estar dando los resultados apetecidos.
Richard LaGravenese, guionista y director, se basa en un caso real de experiencia educativa que se plasmó en forma de libro, Los diarios de los escritores de la libertad. Allí se recogían extractos de los diarios que Erin animó a sus alumnos a llevar, donde plasmaban las difíciles condiciones de familia, pandilleros y violencia en las que se veían obligados a sobrevivir.
El film es muy sugerente, porque subraya con acierto cómo un profesor debe esforzarse por entender a sus alumnos, para de este modo darles la educación que necesitan. Cómo Erin logra concienciarles sobre sus problemas de convivencia presentándoles el horror del Holocausto, o el modo en que les aficiona a la lectura, incluso con sacrificios económicos personales, tienen fuerza, y llevan a la hermosa escena en que traen al instituto a la mujer que acogió en su casa a la célebre Ana Frank, inspiradora de la pedagogía de los diarios.
La doblemente oscarizada Hilary Swank da el tipo perfecto de mujer idealista y risueña, a la par que testaruda, que no logra conciliar un noble fin con la atención de su vida matrimonial. En ese sentido el film es honesto: no pinta a una mujer perfecta, y tampoco pretende que los enfoques pedagógicos de Erin sean la solución exacta y única al problema educativo. Pero sí se subraya, justamente, su sincero empeño por hacer que las cosas cambien a mejor, con logros notables. En el resto del reparto, los demás personajes son secundarios, pero hacen un trabajo destacado Patrick Dempsey e Imelda Staunton, a los que toca asumir los antipáticos personajes del marido y la profesora antagonista de Erin, y Scott Glenn, como el padre de la novata profesora. También sobresalen los desconocidos jóvenes que interpretan a los alumnos, y que en algunos casos proceden de los mismos ambientes marginales que retrata el film.
José María Aresté. ACEPRENSA

PIRATAS DEL CARIBE 3

2008-01-04T13:31:00.000-08:00

Director: Gore Verbinski. Guión: Ted Elliott, Terry Rossio. Intérpretes: Johnny Depp, Orlando Bloom, Keira Knightley, Geoffrey Rush, Chow Yun Fat. 168 min. Jóvenes.

Ni una palabra del argumento. En primer lugar, porque es lo de menos; en segundo, porque con tanta traición pirata cruzada cuesta un poco seguir la trama; y en tercer y principal lugar, porque podría dar pistas sobre la gran incógnita: ¿habrá boda? Y si la hay, ¿quiénes se casan?
El éxito de los primeros Piratas llevó al tándem Verbinski-Bruckheimer a alargar el triunfo y convertirlo en trilogía. Salieron airosos de la segunda parte pero no se puede decir lo mismo de esta tercera, que si no acaba en un absoluto naufragio, es por un apañado final que mitiga el intenso aburrimiento que invade al espectador durante las dos primeras horas.
A la película le cuesta sangre arrancar. En el primer tramo parece que se nos quiere recordar que el origen de Piratas del Caribe es una atracción de feria y, de hecho, el espectador tiene la sensación de ir pasando de la casa del terror a la montaña rusa o a la lanzadera. Todo muy espectacular –como el barco despeñado por la impresionante catarata–, pero también muy artificial.
Tras cuarenta apabullantes minutos de atracciones aparece, por fin, el pirata Jack Sparrow, en medio de una larguísima secuencia que tiene poca gracia. Después pasan muchas cosas –demasiadas y poco variadas– y llega el final, donde afortunadamente la cinta recoge el testigo de lo mejor de las dos entregas anteriores: acción, humor (una de las grandes pérdidas de esta tercera parte, mucho más negra), peleas bien coreografiadas y un montaje ágil.
En el capítulo interpretativo se nota también la escasez de la historia: si en la segunda parte Johnny Depp se quedaba solo (ni Orlando Bloom ni Keira Knightley eran competencia) y campaba por sus respetos, ahora tiene enfrente a un sensacional Geoffrey Rush. La cosa, con un poco de historia, habría dado para un buen duelo interpretativo.
Ana Sánchez de la Nieta. ACEPRENSA

ERES MUY GUAPO

2008-01-04T13:27:00.000-08:00

RATATUI

2008-01-04T13:22:00.001-08:00

Director y guionista: Brad Bird. Música: Michael Giacchino. Animación. 110 min.

El tercer largometraje de Brad Bird confirma su talento como realizador. Después de la notable El gigante de hierro y de la sobresaliente Los Increíbles, Bird ha elegido una historia muy arriesgada, consciente de que Pixar podía asumir los retos, también económicos: 100 millones de dólares de presupuesto. La empresa de animación de John Lasseter, productor ejecutivo de la cinta, ha establecido unos estándares de calidad que dan vértigo. Y en Ratatouille vuelven a quedar patentes: sin el extraordinario trabajo de los animadores y técnicos de Pixar la película no funcionaría. Hacer una película sobre una rata de campo que sueña con ser una estrella de la alta cocina francesa en un restaurante parisino es de todo menos convencional. La repugnancia natural que los humanos tenemos por las ratas siempre estará ahí, por mucho que otras películas de animación hayan procurado presentarnos a ratones simpáticos y pulcros.
Pero juntar ratas y comida, meter a una rata en una cocina es jugar muy fuerte, aún más si se renuncia al cómodo expediente de permitir que los roedores y las personas puedan hablar entre sí.
Lo más sorprendente del gran guión de Ratatouille es la manera de establecer las relaciones entre los roedores y las personas, con unos conflictos verdaderamente ocurrentes y una excelente progresión dramática que culmina en uno de los mejores clímax de la historia del cine de animación. La película juega una y otra vez con la manera de conciliar las aspiraciones de los roedores con las de los hombres usando como escenario de convivencia la cocina de un restaurante parisino. Bird ha escrito un guión con hallazgos verdaderamente geniales aunque sobran 15 minutos de metraje (podrían haberse obviado algunos largos diálogos de un didactismo un poco cargante).
En el diseño de personajes, Pixar sigue siendo Pixar: al espectador se le abre la boca de admiración, especialmente por el dominio de la gestualidad de los personajes, que en el caso de Remy, la rata azul que protagoniza la cinta, es prodigioso. La calidad de la fotografía y el montaje dan brillo a un diseño de producción esmeradísimo, con una gran recreación de París y unas atmósferas tremendamente conseguidas. Las secuencias de acción, gracias al dominio de la animación de los movimientos violentos, tienen un gran dinamismo, realzado por la acertada partitura musical de Giacchino.
Y procuren llegar puntuales a la proyección: el cortometraje Abducidos (una autoescuela para marcianos), dirigido por el hasta ahora editor de sonido Gary Rydstrom, es divertidísimo.
Alberto Fijo. Aceprensa.

BOURNE IDENTITY

2008-01-04T13:19:00.000-08:00

Director: Paul Greengrass. Intérpretes: Matt Damon, Julia Stiles, Joan Allen, David Strathairn, Paddy Considine, Scott Glenn, Edgar Ramírez, Albert Finney.

Hace ya cinco años, una película de acción no demasiado ambiciosa rompía las taquillas de todo el mundo, lanzaba a Matt Damon al estrellato y recibía las alabanzas de la crítica, que vio en ella una interesante renovación del cine de espías. Se trataba de El caso Bourne. Dos años después, la franquicia se consolidaba e incluso daba un salto cualitativo en El mito de Bourne, gracias sobre todo a la trepidante puesta en escena del británico Paul Greengrass. Ahora, la saga y su director alcanzan la categoría de clásicos del género en El ultimátum de Bourne.
Teniendo en cuenta de que se trata de un filme de intriga, la mejor sinopsis de su argumento es quizá el lacónico resumen que ha ofrecido la propia productora: “En El caso Bourne, el protagonista intentaba descubrir quién era en realidad. En El mito de Bourne se vengaba por lo que le habían hecho. Ahora, Jason Bourne regresa a casa y lo recuerda todo”. Cabe añadir que, hasta que regresa a casa, debe pasar por Moscú, Turín, París, Londres, Madrid, Tánger, Nueva York y Los Ángeles, y que, en su camino, deberá enfrentarse con nuevos asesinos a sueldo de la CIA y que encontrará ayudas insospechadas, algunas también desde dentro de la discutida agencia federal, en la cual parecen saber cómo se inició la angustiosa huida de esa desmemoriada máquina de matar que es Jason Bourne.
De nuevo, el guión es mucho más sobrio, escueto y elaborado de lo que es habitual en el cine de acción convencional, en la saga James Bond o en sus numerosas imitaciones. En su agilísima sucesión de apabullantes secuencias de acción e interludios intimistas, el guión logra impulsar los dramas de los diversos personajes centrales, y especialmente de Jason Bourne. Este se muestra ansioso por descubrir su olvidada identidad, y en lucha permanente entre el afán de venganza contra los que han destrozado su vida y una incipiente conciencia de culpabilidad, que le lleva a moderar sus instintos asesinos. A pesar de este enfoque, la película, como sus antecesoras, resulta muy violenta y abusa en ocasiones de una puesta en escena aparatosa y de un montaje frenético, que debilita puntualmente la credibilidad de las situaciones.
En todo caso, Matt Damon y el resto de los actores –sobre todo Julia Stiles, Joan Allen y David Strathairn– se toman muy en serio a sus personajes, y Paul Greengrass los dirige con mano firmísima sin dejar de vapulear al espectador con sus secuencias de acción, algunas tan antológicas como el tenso acoso y derribo en la Estación Waterloo de Londres o la doble escapada en Argel, una y otra desarrolladas con un tempo visual y dramático prodigioso, siempre apoyado por la excelente partitura de John Powell. No es seguro que haya más entregas de la saga, ni que las dirija Paul Greengrass. Por una vez, y sin que sirva de precedente, los buenos aficionados al cine de acción y al buen cine en general estamos ansiosos por volver a disfrutar con ese binomio tan potente.

Firmado por Jerónimo José Martín. Aceprensa.

SHREK 3

2007-12-16T10:58:00.002-08:00

Directores: Chris Miller, Raman Hui. Guión: Chris Miller, Jeffrey Price, Peter S. Seaman. Animación. 92 min. Jóvenes.

En esta tercera entrega de la saga –basada en los personajes literarios creados por el desaparecido William Steig–, el popular ogro verde se enfrenta a una situación singular: la muerte de su suegro, el rey-rana Harold, convierte al propio Shrek y a Fiona en reyes del Reino de Muy Muy Lejano. Horrorizado, Shrek decide buscar a un sustituto, con la ayuda de sus inseparables amigos Asno y el Gato con Botas.
Como se ve, el argumento ofrecía posibilidades sugestivas, que de hecho cuajan en varios aciertos, como las subtramas y sueños familiares de Shrek –que decantan en una visión elogiosa de las familias numerosas–, las divertidas peripecias de la pandilla feminista o la muerte del rey-rana, quizá la secuencia mejor animada de toda la película. Sin embargo, en términos generales, la película ahonda en los defectos habituales de la fórmula DreamWorks. El guión es aún más superficial y episódico que los de sus antecesoras, abusa de los gags paródicos o anacrónicos, y carga la mano en algunas gracias gruesas y más bien hedonistas, como la despedida que hace el Gato con Botas a sus diversas amantes o algún comentario suelto de Blancanieves. Incluso, hay varios guiños complacientes a la ideología de género, representada por la tosca Doris y el amanerado director de orquesta.
En cuanto a la resolución formal, se han mejorado notablemente los fondos y la gestualidad facial de los personajes. Además, la banda sonora resulta brillante, y el doblaje original es muy bueno. Sin embargo, los diseños de los personajes siguen siendo rígidos y convencionales, y la animación de sus movimientos no faciales es muy tosca. De todas formas, no son defectos demasiado irritantes, se compensan con unos cuantos gags inteligentes y el desenlace exalta de nuevo la familia y la amistad, como mandan los cánones de los cuentos de hadas. De modo que, a pesar de los pesares, la película permite pasar el rato en familia sin demasiados sobresaltos.
Jerónimo José martín. Aceprensa.

HARRY POTTER Y LA ORDEN DEL FENIX

2007-12-16T10:58:00.001-08:00

Director: David Yates. Intérpretes: Daniel Radcliffe, Rupert Grint, Emma Watson, Michael Gambon, Robbie Coltrane. Guión: Michael Goldenberg. 138 min. Jóvenes.

Libro a libro, película a película, la saga de Harry Potter va endureciendo el tono de sus historias y de los conflictos dramáticos de sus personajes, que se van acercando a la edad adulta. En la quinta entrega el joven mago regresa a Hogwarts donde sufre la incomprensión de muchos alumnos y profesores, que no se creen el reciente encuentro del chaval con dos dementores, en pleno Londres. Le acosa especialmente Dolores Umbridge, la nueva profesora de Defensa Contra las Artes Oscuras, nombrada directamente por el ministro de Magia y que prohíbe a los jóvenes estudiantes practicar determinados hechizos defensivos. Ante la amenaza de un ataque inminente de Voldemort, Harry y sus amigos tendrán que prepararse para la batalla.
El inglés David Yates es el cuarto director de la saga HP y el segundo que dirigirá más de una aventura, pues ya está rodando Harry Potter y el misterio del príncipe. Yates ha mantenido una notable dirección de actores y una sólida factura visual, más cerca del estilo realista de las dos últimas entregas, que del tono más infantil de las dos primeras. De hecho, se luce en el arranque costumbrista en Londres –con unas panorámicas muy sugerentes– y mantiene la espectacularidad en las escenas mágicas y de acción. Quizá sólo cabe reprocharle la falta de sorpresas de su trabajo tras la cámara.
Por lo demás, el guión es fluido y jugoso –sobre todo en las escenas con Harry, Hermione y Ron–, sólo flaquea en el romance entre Harry y Cho Chang –tan soso y convencional como en la tercera película y en los libros– y refleja con vigor los nuevos conflictos de los personajes, mucho más dramáticos que en las anteriores entregas, pues afrontan de lleno la responsabilidad personal, el espíritu de equipo y la amenaza de la muerte.
Firmado por Jerónimo José Martín Aceprensa.

ATRAPA A UN LADRÓN

2007-12-08T08:12:00.000-08:00

John Robie (Cary Grant), llamado "el gato", es un americano que vive con un gran estilo en la Riviera francesa. Allí se dedica a estafar a la gente que se mueve en ambientes de alto copete. Su primera víctima es Jessie Stevens (Jessie Royce), y de esta manera conoce a Frances, su hermana, que anda buscando a su marido desaparecido. La acción transcurre entre lujosos casinos y ambientes espectaculares.

Una de las películas consideradas menores del genio Alfred Hitchcock, oscurecida por la brillantez de La ventana indiscreta (1954) o Crimen perfecto (1954) rodadas en el mismo período. Con esta película, Hitchcock se decanta más hacia la comedia romántica, dejando en un segundo plano la intriga. Cuenta con el atractivo de un excelente dueto de intérpretes. Cary Grant era el actor favorito de Hitchcock, y ya trabajaron juntos en Sospecha (1941) o Encadenados (1946). Toda la película desprende un glamour delicioso, pero la escena del beso en el umbral de la puerta es sencillamente irresistible.
Dirección: Alfred HitchcockIntérpretes: Cary Grant, Grace Kelly, Jessie Landis, John Williams (II), Charles Vanel.Guión: John Michael HayesMúsica: Lyn MurrayFotografía: Robert Burks Distribuye en DVD: Paramount Duración: 97 min.
http://www.decine21.com/

TRANSFORMERS

2007-11-25T02:58:00.001-08:00

Director: Michael Bay. Guión: Roberto Orci, Alex Kurtzman. Intérpretes: Shia LaBeouf, Tyrese Gibson, Josh Duhamel, Anthony Anderson, Rachael Taylor. Jóvenes. (S)
Fecha: 6 Julio 2007
En los años setenta una compañía japonesa lanzó al mercado unos juguetes articulados que podían representar dos cosas diferentes (una de ellas era un robot humanoide), según se dispusieran las piezas móviles. En 1982 la compañía norteamericana Hasbro, en colaboración con la editora Marvel, negoció un acuerdo para utilizar las figuras para crear un cómic y una serie de televisión, que serían muy populares en los años ochenta.
Esta película era un viejo sueño de Spielberg, que actúa como productor ejecutivo. La historia, no del todo similar a la de la serie de televisión, la han escrito los guionistas de Mission: Imposible III, ambos con experiencia televisiva (son los creadores de la serie Alias).
En un planeta de otra galaxia dos razas robóticas luchan por el dominio del universo y el combate termina llegando a la Tierra. Los protagonistas humanos de la historia serán un atribulado grupo de marines, un adolescente acomplejado y las autoridades militares que gestionan la crisis.
El argumento se desarrolla a tres bandas y siempre tiene un contrapunto cómico, similar al de La leyenda del Zorro, otra de las películas escritas por Orci y Kurtzman. Inocente y entretenida, Transformers tiene un ritmo que se acelera sin cesar, alternando el humor con la acción trepidante; es en esa parcela donde el californiano Michael Bay (La roca, La isla) se defiende mejor. El trabajo de los animadores y de los creadores de efectos especiales es sensacional.

Firmado por Fernando Gil-Delgado. Aceprensa.

EL ABUELO

2007-11-25T02:57:00.001-08:00

Director: José Luis Garci. Guión: José Luis Garci y Horacio Valcárcel. Intérpretes: Fernando Fernán-Gómez, Cayetana Guillén Cuervo, Rafael Alonso, Agustín González, Paco Algora, Fernando Guillén, María Massip. 150 min. Jóvenes.

Con El abuelo -seleccionada por España para competir por el Oscar a la mejor película en habla no inglesa-, José Luis Garci culmina su trilogía sobre el melodrama, iniciada con Canción de cuna y La herida luminosa. Adaptación libre de la novela de Benito Pérez Galdós, El abuelo sintetiza el rico estilo fílmico de Garci y la hondura dramática, moral y religiosa de sus últimas películas.
El sólido guión disecciona el drama de una noble familia asturiana de principios de siglo. A su vuelta de América, donde se ha arruinado, el librepensador patriarca, don Rodrigo (Fernando Fernán-Gómez), se enfrenta a su nuera, la condesa doña Lucrecia (Cayetana Guillén Cuervo), que ya en vida de su marido le era públicamente infiel. En su afán por salvaguardar el honor familiar, el anciano ansía saber cuál de las dos hijas de la condesa es su verdadera nieta, lo que despierta las iras de la dama y de la parasitaria burguesía de sus señoríos. Don Rodrigo sólo encontrará comprensión en don Pío (Rafael Alonso), un maestro que vive hastiado de su excesiva bondad.
El guión logra que la historia y los personajes resulten entrañables a base de jugosos diálogos y situaciones sugestivas. Un tono general introspectivo, sereno, refuerza el dramatismo de las bien dosificadas efusiones emocionales -el primer encuentro entre el suegro y la nuera, el magistral montaje paralelo de la confesión y la lectura de la carta, todo el catártico desenlace...- y, sobre todo, permite al magnífico reparto exprimir los poliédricos perfiles de sus personajes. Es imposible imaginarse la película sin Fernán-Gómez, y Cayetana Guillén-Cuervo le da réplica con sorprendente contención, logrando la mejor interpretación de su carrera. Pero quizá el papel más difícil y mejor resuelto sea el del recientemente fallecido Rafael Alonso, que incendia la pantalla cada vez que sale.
A la soberbia dirección de actores se une la excelente puesta en escena. Si en el guión Garci bebe en fuentes tan seguras como Galdós, Cervantes, Calderón de la Barca, Shakespeare, Valle-Inclán o Chejov, en su rigurosa y a la vez mágica planificación aúna la sustancia base de John Ford y David Lean con un buen chorro de Víctor Erice y unas cuantas gotas sabrosísimas de Carl Dreyer. Todo esto, arropado por una bellísima fotografía, una exquisita recreación de ambientes y un cadencioso montaje, da como resultado una película cautivadora.
Porque además, Garci no rehúye las peliagudas cuestiones morales y existenciales que plantea, y que son precisamente las que dan entidad a las puras emociones sentimentales. Así, encara de frente los conflictos entre el honor y el amor, la pasión y el deber, el rencor y el perdón, la esperanza y el fatalismo..., sin rebajar ese componente de dolor que tiene cualquier relación humana, pero cimentando sobre la caridad y el buen humor su apología de la amistad y de la tolerancia.

Jerónimo José Martín. Aceprensa

CARTAS DESDE IWO JIMA

2007-11-25T02:53:00.000-08:00

Director: Clint Eastwood. Guión: Iris Yamashita. Intérpretes: Ken Watanabe, Kazunari Ninomiya, Tsuyoshi Ihara, Ryo Kase, Shidou Nakamura. 141 min. Jóvenes-adultos. (V)
Clint Eastwood comenzó a rodar "Cartas desde Iwo Jima" nada más terminar "Banderas de nuestros padres", cuando esta cinta iba a entrar en postproducción. Es la visión de la misma batalla desde el lado japonés. En realidad se trata de un solo proyecto sobre la guerra, la naturaleza humana y el heroísmo, como siempre en el cine de este autor.
La película comienza con la llegada del general Kuribayashi a la isla para dirigir la defensa. Kuribayashi es un hombre moderno, formado en Estados Unidos, país que conoce y respeta. A su llegada organiza la defensa de una manera nueva y eficaz y logra convertir el islote en un formidable foco de resistencia. Los cinco días de lucha previstos por el mando norteamericano se convirtieron en una feroz batalla de cuarenta días con decenas de miles de muertos (ver reseña histórica). Kuribayashi además desaprueba viejas prácticas habituales en el ejército imperial: abusos, malos tratos, desprecio por los civiles, suicidios honorables; naturalmente muchos de sus oficiales y suboficiales de la vieja escuela le son hostiles. Entre los simples combatientes del ejército nipón se encuentra Saigo, panadero en la vida civil, cuyo único afán es conocer a su hija, a la que todavía no ha visto.
"Cartas" es una gran película, superior a su gemela porque es más centrada; se trata de una historia con un objetivo claro, mostrar quiénes fueron aquellos hombres que lucharon en los túneles y las cuevas de la isla. Con ayuda de algunos "flash back" Eastwood traza las personalidades del barón Nishi, campeón olímpico, del general Kuribayashi y también la de algunos soldados.
El ambiente es opresivo y el ronroneo de la artillería y las ametralladoras se oye incansable a través de los túneles desde el inicio de los combates. Los horrores se suceden con una inexorable fatalidad. Unos colores desvaídos contribuyen a dar veracidad al filme, y a aumentar el cansancio; la película parece rodada en blanco y negro, el color lo dan las llamas y la sangre.
Rodada en japonés, muestra el lado nipón de la batalla, pero no es tanto el punto de vista de los nipones como el de Eastwood que se acerca al adversario con humanidad. El pesimista realizador es claro al mostrar en su doble película tanto el horror de la guerra como el hecho de que los combatientes son personas normales en uno y otro bando, capaces de actos heroicos y de mezquindades y que muchas veces unos y otros son manipulados en aras de intereses ajenos; y recuerda aquel cínico adagio de "la guerra es algo terrible, sobre todo para el que la pierde".Fernando Gil-Delgado. ACEPRENSA

SENTIDO Y SENSIBILIDAD

2007-11-05T02:20:00.000-08:00

Tras la muerte de Henry Dashwood (Tom Wilkinson), su esposa (Gemma Jones) y sus tres hijas (Emma Thompson, Kate Winslet y Emilie Francois) quedaron en una precaria situación económica al serles concedida la herencia a John (James Fleet), el hijo de su primer matrimonio que está casado con Fanny (Harriet Walter), una mujer codiciosa cuyo hermano Edward (Hugh Grant) quedará prendado de una de las hijas de Dashwood, Elinor (Thompson).
Me voy ya contaré más...

Director: Ang Lee. Guión: Emma Thompson. Intérpretes: Emma Thompson, Alan Rickman, Kate Winslet, Hugh Grant, James Fleet, Greg Wise.

Juicio y sentimiento, el título en castellano de la novela de Jane Austen, responde con más exactitud al contenido de esta obra que el confuso Sentido y sensibilidad. El centro de la narración lo constituye la vida amorosa de las hermanas Dashwood, Elinor y Marianne, cuya posición social ha decaído tras la muerte de su padre. Ambas, que viven con su madre y una hermana pequeña, son polos opuestos. Elinor es juiciosa y le cuesta exteriorizar sus sentimientos; Marianne es todo corazón, romántica e impulsiva en exceso. Los meandros de sus vidas sentimentales les harán evolucionar hacia un adecuado equilibrio.
Emma Thompson aúna labores de actriz y guionista. Sus aptitudes en el primer apartado son conocidas y no hacen sino confirmarse. Como guionista, su esmerada adaptación logra condensar situaciones e insuflar vida a unos poderosos personajes. El director, a petición de la propia Thompson, es el taiwanés Ang Lee. Tal elección puede sorprender, pues el responsable de El banquete de bodas y Comer, beber, amar parece ajeno a la cultura británica. Sin embargo, se hace con la historia, impregnada al fin y al cabo de temas universales -las relaciones fraternales y filiales en la familia, el amor, la atracción del dinero, las convenciones sociales...-, y la enfoca con su particular visión, en la que se entretejen muy bien drama y sentido del humor. No ha buscado Lee la lágrima fácil, pero ofrece un buen número de situaciones conmovedoras, muy bien concebidas y realizadas.
Con una férrea estructura y una sólida realización, el film alcanza gran altura: los múltiples premios -Oso de Oro en Berlín, siete candidaturas a los Oscars...- le hacen justicia. En el estupendo reparto destacan -como es lógico- las interpretaciones femeninas, sobre todo las de Thompson y la casi desconocida Kate Winslet; conscientes de que la función es de ellas, Hugh Grant, Alan Rickman y Greg Wise no se limitan sin embargo a cumplir, y apoyan muy bien en sus pequeños papeles. Una película romántica y de sentimientos como ésta, requiere un esfuerzo de dirección artística: se cuidan decorados, paisajes, bailes... Patrick Doyle compone una hermosa banda sonora, y la fotografía de Michael Coulter, cálida casi siempre, se adecúa muy bien al tono de cada secuencia.
José María Aresté. Aceprensa.

OCEAN´S 13

2007-11-05T02:05:00.000-08:00

Después del remake de Ocean's 11, vino Ocean's 12 y ahora 13.

En Ocean's 12 muchos criticaron la poca "profesionalidad" de los actores. Brad Pitt no paraba de reirse en toda la película, los demás posaban delante de la cámara... Pero a mí me pareció sensacional ver a Julia Roberts interpretandose a sí misma, riéndose de sí misma. Tal vez es lo único que falta en 13. El guión está mucho más cuidado y aunque falta Julia, tenemos en esta ocasión a Pacino. Todos esperamos para ver cómo se resuelve el conflicto y como le van a dejar a Al Pacino sin un sólo centimo y sin sus joyas. Pues bien, ¿llegará Ocean's 14?. No lo creo, no lo creo.

La Jungla 4.0

2007-10-14T11:18:00.000-07:00

Acción, movimiento, no parar, coches volando, estallando...

Bruce Willis en estado puro.

Pero siempre con tan mala suerte, divorciado de su mujer y fastidiado con su vida.

TESIS

2007-09-30T08:10:00.000-07:00

Hace unos años vi "Tesis", ópera prima del director español, entonces jovencísimo, Alejandro Amenabar. La primera sorpresa fue ver en el reparto a Ana Torrent, la niña de "El espíritu de la Colmena" de Victor Erice, pero con unos años más. Después la sencillez de los planos, el movimiento de la cámara y el guión. No me gustan nada, lo paso mal de veras, las películas de miedo, excesivamente violentas o de un suspense extremo. Nada de esto me encontré, aunque es una película en la que aprece la violencia, pero la justa y necesaria, sin recrearse en la sangre.

Ahora he vuelto a verla sin suspense claro, ya me sabía el final. Y la sorpresa ha venido por como hemos cambiado, que revolución en las tecnologías, en la moda (hasta un profesor sale fumando en clase como lo más normal del mundo) incluso en la forma de hacer cine.

Director y guionista: Alejandro Amenábar. Intérpretes: Ana Torrent, Fele Martínez, Eduardo Noriega. 126 min.
Firmado por José María Aresté Fecha: 1 Mayo 1996
Ángela, una estudiante de imagen, prepara su tesis sobre la violencia en los medios de comunicación. Cuando pide a su director de tesis películas violentas de la videoteca de la facultad, el profesor aparece muerto. La joven se ve envuelta así en un turbio asunto de snuff movies, grabaciones reales en vídeo de torturas y asesinatos que se comercializan ilegalmente. Como única ayuda cuenta con Chema, un compañero de clase, fan del cine gore, violento y pornográfico. Sospechan de Bosco, un alumno que tiene el mismo modelo de cámara que el empleado en los vídeos.
Alejandro Amenábar, de 23 años, debuta en el largometraje con aplomo. Plantea bien la resolución de secuencias, da muestras de personalidad visual con encuadres originales, sabe crear suspense y no tiene complejos en mostrar las influencias de directores norteamericanos como Spielberg. Tesis es sin duda un título importante en la renovación de argumentos y modos de hacer del cine español.
El tema abordado se prestaba al exceso sanguinolento. Pero, coherente con su intención de criticar la violencia en la pantalla, Amenábar opta casi siempre por la elipsis: mejor sugerir que mostrar. Hay algunas imágenes desagradables, pero no dominan la película. Amenábar toma además la decisión de poner al espectador en el lugar de la protagonista. Se busca así la identificación con la curiosidad morbosa que crece en la chica, hasta provocar el rechazo cuando corre el peligro de convertirse en víctima.
La película, muy de género, no es perfecta: hay altibajos y algunas reiteraciones en el guión, y las dudas sobre la implicación de Chema y Bosco en los asesinatos se mantienen de modo algo tramposo, definiendo poco a esos personajes. Pero estos fallos no impiden que el film arroje un balance positivo.

José María Aresté. Aceprensa.

VACACIONES EN ROMA

2007-09-26T14:19:00.001-07:00

La he visto por segunda o tercera vez con Gonzalo. Genial.

Año de producción: 1953
Dirección: William Wyler Intérpretes: Gregory Peck, Audrey Hepburn, Eddie Albert, Hartley Power, Harcourt Williams, Margaret Rawlings, Tullio Carminati. Guión: Ian McLellan Hunter, John Dighton, Dalton Trumbo Música: Georges Auric Fotografía: Henri Alekan, Franz Planer
Duración: 113 min.Público apropiado: JóvenesGénero: Comedia, Romántico

Deliciosa película dirigida por William Wyler, quinta esencia del cine romántico. La historia viene a ser una Cenicienta al revés. La princesa Ana se halla de viaje por diversos países europeos. Su último destino es Roma, donde debe atender sus deberes principescos. Lo que supone atarse a un rígido protocolo. Pero una noche, alojada en su palacio, oye la música, ve a la gente sencilla divertirse, y toma una audaz decisión: salir a la calle, convertirse en una persona normal. Su encuentro con Joe Bradley, periodista, le permite pasar un día de ensueño: tomar “gelatti”, pasear por la ciudad eterna en Vespa, acudir a una verbena… Lo que la princesa no sospecha es que Joe, en complicidad con el fotógrafo Irving, está preparando un reportaje sobre tan particular jornada de la princesa.

Desde Una chica angelical, Wyler no había abordado otra comedia romántica. El guión lo firman Ian McLellan Hunter y John Dighton, pero en la historia intervino también Dalton Trumbo, entonces en la lista negra de la tristemente célebre “caza de brujas” (su crédito por el film sólo lo recibió años más tarde). El film es una delicia, con escenas memorables. La más significativa es la de la visita a “la boca de la verdad”: Joe explica a Ana, que si uno mete la mano dentro y dice una mentira, la boca se la traga. Gregory Peck en esta escena hizo algo que Audrey Hepburn no sabía que iba a hacer: al retirar la mano de la boca, se la recogió en la manga, con lo que parecía que, ciertamente, el maleficio se había cumplido. El rostro de sorpresa de Hepburn es auténtico, y el momento, verdaderamente mágico, quedó recogido para siempre en el celuloide. Otro momento importante es el encuentro con la prensa; a título anecdótico, señalar que aparecen dos periodistas españoles, corresponsales en Roma de "ABC" y "La vanguardia".

Aunque Hepburn había actuado en algún film como Oro en barras. Gregory Peck le dio perfecta réplica, en un papel que habían rechazado otros actores como Cary Grant, sabedores de que la protagonista era la reina de la función. A Peck no le importó el riesgo de ser eclipsado. El tercero en discordia es un actor a quien se vio siempre en papeles secundarios, Eddie Albert, que compone al entrañable fotógrafo. http://www.decine21.com

EN AMÉRICA

2007-09-03T07:23:00.000-07:00

Jim Sheridan -director de "Mi pie izquierdo" y "En el nombre del Padre"- dirige una aventura para vivir, salir adelante ante la adversidad, superar los miedos, nacer a la vida. Un canto a la amistad, a la vida, a la alegría en un lugar -NY- no exento de sufrimiento.

La recomiendo, creo que es de lo mejor que he visto últimamente.

Director: Jim Sheridan. Guión: Jim, Naomi y Kirsten Sheridan. Intérpretes: Samantha Morton, Paddy Considine, Sarah Bolger, Emma Bolger, Djimon Hounsou. 103 min. Adultos.
Con esta su última película, el irlandés Jim Sheridan (En el nombre del padre) afronta un reto personal muy significativo. El guión está escrito por el propio Sheridan y sus hijas, Naomi y Kirsten, lo que explica el carácter íntimamente familiar del argumento. Además, la película tiene un importante referente autobiográfico y está dedicada a un hermano de Sheridan, Frankie, que tiene el mismo nombre que el protagonista en la sombra del film y que murió en parecidas circunstancias.
En América cuenta la historia de una familia católica que emigra desde Irlanda a Nueva York en busca de trabajo. Sin un dólar en el bolsillo, Johnny y Sarah se instalan en un edifico barato habitado por drogadictos, drag queens y otra fauna gótica poco recomendable. La vida es muy dura para la pareja. Pero sus dos hijas la afrontan de un modo positivo que tiene mucho que ver con su fe en Dios, los milagros y la resurrección. Esta fe tendrá un papel decisivo a partir de su encuentro con su temido vecino Mateo, al que las niñas llaman "el hombre que grita".
El reparto es excelente. Paddy Considine y Samantha Morton interpretan al matrimonio y, otra coincidencia familiar, sus hijas las interpretan dos hermanas, Sarah y Emma Bolger, cuya presencia es un torrente de elocuencia y expresividad. Por último, Djimon Hounsou encarna a Mateo, un pintor excéntrico y solitario, pero profundamente religioso, que propiciará la salvación de la familia.
Esta familia llega a Nueva York después del 11-S, y va a parar a un barrio más inseguro si cabe que la propia ciudad. Y, sin embargo, lo que verdaderamente les amenaza no es una agresión exterior sino un conflicto interno. Porque En América es por encima de todo una reflexión sobre la familia. No la familia idílica de La casa de la pradera, sino una familia marcada por el dolor y que necesita un intenso trabajo de purificación. Pero los profundos lazos de amor que hay en esa familia harán posible que cada uno vaya afrontando con éxito sus propios fantasmas. Y hay un fantasma común: la muerte en el pasado de Frankie, el único hijo varón, que murió a los dos años de un tumor cerebral. La madre afronta ese drama con voluntarismo ("Hay que hacer como si fuésemos actores"); el padre, con una especie de ataraxia nihilista cargada de odio hacia Dios ("Le juré a Dios que no me volvería a ver llorar", "Yo ya jamás me arrodillo"); sin embargo, las niñas lo afrontan con dolor maduro, con fe en Dios y en la inmortalidad de Frankie.
Aunque hay una cierta confusión entre magia y fe, lo cierto es que Jim Sheridan no sitúa el sueño americano en sus claves habituales de éxito profesional y económico, sino en el éxito de la propia salvación. Es una recuperación fresca y original de ese "In God We Trust" que rezan los billetes de dólar. En cualquier caso, se trata de una película conmovedora, dura y esperanzada, en la línea de Capra, De Sica y Kazan, aunque más explícita en su tratamiento del sexo. Y por cierto, no se pierdan su posición respecto al aborto.

Juan Orellana. Aceprensa.

NOTTING HILL

2007-08-31T02:51:00.000-07:00

Es la cuarta vez que la veo y me sigue sorprendiendo la soltura, frescura, sencillez con la que Julia Roberts interpreta el papel de sí misma, de actriz y de "una chica delante de un chico pidiéndole que le quiera". Hugh Grant está también sensacional.
Lo mejor el travelling por el mercado de Portobello con la canción "Ain't no sunshine".

Director: Roger Michell. Guión: Richard Curtis. Intérpretes: Hugh Grant, Julia Roberts, Hugh Bonneville, James Dreyfus, Rhys Ifans, Tim McInnerny, Gina McKee. 124 min. Jóvenes-adultos.
Firmado por Jerónimo José Martín Fecha: 7 Julio 1999
El inglés Roger Michell ya mostró muy buenas maneras en Persuasión, My Night With Reg y Titanic Town. Ahora está rompiendo las taquillas de todo el mundo con Notting Hill, una de las mejores comedias románticas de las últimas décadas. Pergeñada por los mismos guionista y productores de Cuatro bodas y un funeral, esta vez, sin renunciar al típico humor británico, se han fijado más en las mejores comedias clásicas de Hollywood, sobre todo en Vacaciones en Roma, de William Wyler.
William (Hugh Grant) posee una pequeña librería de viajes en el populoso barrio londinense de Notting Hill. Divorciado, culto, un poco escéptico y muy patoso, comparte soledad, ingenuidad y piso con Spike, un joven zarrapastroso, pero encantador, dedicado permanentemente a no hacer nada. También animan a William su hermana y un grupo de buenos amigos. Su vida da un giro copernicano un día en que Anna Scott (Julia Roberts), la más famosa estrella de Hollywood, entra a comprar un libro en su librería. El flechazo es instantáneo. Los dos se sienten vulnerables y buscan desesperadamente el amor verdadero y la vida sencilla. Pero esa sintonía, que se consolida en posteriores encuentros, será puesta a prueba por las terribles servidumbres profesionales de ella, por el miedo al compromiso de él y por el abismo social que los separa.
El guionista Richard Curtis afronta de cara los conflictos dramáticos que plantea la trama, sobre todo en lo que suponen de rechazo de la fama como valor en sí y, por tanto, de profunda desmitificación del glamouroso universo de las estrellas de Hollywood. De este modo, con gran agilidad narrativa y unos diálogos magníficos, logra que todos los personajes, hasta el más secundario, rezumen autenticidad. Esto le permite llevar la acción, sin fracturas, de las situaciones más hilarantes a las más dramáticas, hasta alcanzar lo antológico en varios momentos románticos de una sutileza e intensidad emotiva inolvidables. Y, además, dentro siempre -es su gran mérito- de esa búsqueda de la magia en lo más cotidiano.
Ciertamente, en su afán de verismo, Curtis paga el peaje de varios pasajes y diálogos soeces, y de una convencional escenita de cama. Pero esas situaciones son compensadas con creces por el amable tono antimaterialista de la historia y por su decidida apuesta a favor de un modelo de relación sentimental comprometido, sacrificado y generoso, también en lo referente a los hijos.
A este espléndido guión responde Roger Michell con una brillante puesta en escena, a veces sencilla y serena, de cámara anclada, a veces original y efectista, como en el altísimo plano cenital del parque o en el estupendo travelling de varios meses por el mercadillo de Portobello Road. Refuerzan esta eficacia la luminosa fotografía de Michael Coulter, la romántica partitura de Trevor Jones y la sugerente ambientación de Stuart Craig.
Pero quienes ponen la guinda son los actores. Los secundarios están soberbios, pero destacan especialmente Julia Roberts y Hugh Grant, que quizá llevan a cabo las mejores interpretaciones de sus carreras. Él, en su caracterización habitual de joven desconcertado y encantador. Y ella, plena de naturalidad, quizá porque, en gran medida, está interpretándose a sí misma. Desde luego, así lo parece en esa maravillosa secuencia en que, sin maquillaje y vestida con apabullante sencillez, reconoce entre lágrimas a Hugh Grant: "Sólo soy una chica frente a un chico pidiéndole que la quiera". Jerónimo José Martín. Aceprensa.

THE SHOOTER

2007-08-31T02:49:00.000-07:00

Nos hemos reído mucho, hemos descansado, desconectado con esta película previsible, típica y tópica de un Rambo del siglo XXI.

Director: Antoine Fuqua. Guión: Jonathan Lemkin. Intérpretes: Mark Wahlberg, Michael Peña, Danny Glover, Kate Mara, Elias Koteas, Rhona Mitra, Rade Sherbedgia, Ned Beatty. 124 min. Jóvenes. (VS)
Sargento de los marines, tirador de élite, vuelve a casa después de una accidentada y traumática misión en Etiopía. Reincorporado a la vida civil, el ex militar es reclamado por los servicios de inteligencia para impedir un posible intento de asesinar al presidente de los EE.UU.
Fantasmada para pasar el rato, con tiros, persecuciones, teoría de la conspiración y todos los restantes elementos habituales en ese subgénero tan popular que responde al título de "si me enfado, mejor que se cambien ustedes de continente".
La película arranca de manera espectacular pero va perdiendo fuelle y se vuelve inverosímil (la operación para extraer una bala de un herido a cargo de una joven inexperta es verdaderamente antológica). Los 124 minutos son excesivos, pero hay cosas bastante peores. A Wahlberg le va muy bien lo de poner carita de tipo en permanente estado de mosqueo. El veterano Danny Glover habla como si estuviese recién salido de la unidad de cuidados intensivos. Antoine Fuqua ("El rey Arturo", "Training Day", "Lágrimas del sol") rueda bien las secuencias de acción. Ahí se acaban sus habilidades como realizador.
Alberto Fijo. Aceprensa.

THE QUEEN

2007-08-23T02:19:00.000-07:00

Claramente merecía el Oscar Helen Mirren. Muy bien caracterizada e interpretada.
¿Qué le habrá parecido a la reina de Inglaterra?
Además he tenido la suerte de verla cuando se cumplían 10 años de la muerte de Diana.
¿Qué habría ocurrido si Tony Blair no hubiera sacado de su error a su Majestad?
Qué trabajo más duro el ser reina de Inglaterra.

The Queen Director: Stephen Frears. Guión: Peter Morgan. Intérpretes: Helen Mirren, Michael Sheen, James Cromwell, Sylvia Syms, Helen McCrory. 97 min. Jóvenes.
La palabra que mejor define la última película de Stephen Frears, "La Reina", es la de "sorprendente". Sorprendente por la capacidad de entrar en un tema tabú (la muerte de Diana de Gales) y no hacerlo de puntillas, pero sí con suma elegancia, respeto e incluso ecuanimidad. Sorprendente porque en vez de hacer un documental opta por una película convencional. Y sorprendente porque entra hasta el fondo en las alcobas de la Reina de Inglaterra y no se hunde el mundo.
Este es el argumento. Cuando la noticia de la muerte de "Lady Di" golpea al mundo entero, la reina Isabel II se retira tras los muros del castillo de Balmoral con su familia, incapaz de comprender la respuesta masiva y entregada del pueblo a la memoria de Diana. Cuando se desbordan las muestras populares de emoción, Tony Blair, primer ministro recién elegido, debe hallar la manera de reconectar a la Reina con su pueblo, cada vez más distante de su soberana.
Este original argumento da lugar a un film que por un lado está lleno de humor e ironía, y por otro ofrece un ejercicio brillante de alta política. Dos mundos aparentemente opuestos se ven obligados a dialogar. La familia Blair es moderna, desenfadada, su esposa es antimonárquica y ambos quieren superar formalismos y anquilosamientos institucionales. La familia real está apegada a sus ancestrales costumbres, y es reacia a cualquier cambio o innovación.
Este contraste está magníficamente gestionado por Frears y por los actores protagonistas, Helen Mirren y Michael Sheen, que superan con éxito la dificilísima tarea de dar vida a personajes tan conocidos. Una auténtica joyita en la filmografía de ese grande del cine que es Stephen Frears.
Juan Orellana. Aceprensa.

AGOSTO 2007

2007-08-18T02:00:00.000-07:00

Pues dije que iba a escribir sobre "In good company" y no lo hice. En fin que le vamos a hacer.

Después he podido ver otras películas:

"Pequeña Miss Sunshine", "Smoking room", "El truco final", "En busca de la felicidad" y "Banderas de nuestros padres". Las dos últimas están bien. "El truco final" al igual que "El ilusionista", te engaña durante toda la película. Me gusto, al contrario que al resto de personas que la vio conmigo la de Clilnt Eastwood. Ahora me gustaría ver la versión japonesa.

Recomiendo, aunque con algún reparo, Pequeña Miss Sunshine. Pedro también la comenta en su blog. Pensamos los dos muy parecido. Es una película original con guión atrevido.

Me esperaba más, mucho más -me habían hablado tanto- de "Smoking room", la verdad no aguante algunos diálogos tan burdos, poco educados, llenos de tacos, alguna que otra blasfemia y con un tinte "verde". Si ya se algunos dicen pues te los saltas y ya está. Bien, pues me los salto, pero no puedo decir que el resultado final es bueno, simpático, divertido. Diré que tiene tres escenas graciosas y punto.

Me olvidaba en julio también vi: "Noche en el museo" y "Operación Stormbreaker". Las vi con los de 1º de ESO y gustaron mucho. Son dos pelis buenas para esas edades y sin ningún problema de violencia o sexo gratuito.

De series he visto la última temporada de 24. Bien pero al final ya sólo era ver para saber que pasaba. A ver como resuelven la temporada 6 ó 7, ya ni lo se.

IN GOOD COMPANY

2007-06-23T15:12:00.000-07:00

Esta noche he vuelto a ver esta película. Nos hemos reído bastante. Mañana o pasado cuento.

CAPERUCITA ROJA

2007-06-17T08:01:00.000-07:00

Cambio la letra.

Brevemente, para no olvidar. Poco cine y poco del bueno. “La verdadera pero cierta historia de Caperucita Roja”, “El gran salto” y “Rocky Balboa”.
Frank Capra, ha vuelto en numerosas ocasiones de la mano de más de un director. Con “El gran salto” (película que ya había visto hace unos años) los Cohen, Joel y Ethan, resucitan al maestro para dirigir una comedia americana.
Con Rocky, Stallone no consigue transmitir la emoción de las dos primeras entregas. Iba por buen camino. Lo único que merece la pena es recordar los momentos en que “copia” secuencias, planos, escenas, música de la primera entrega. Y de la pelea final, tal vez, salvar el blanco y negro mezclado con color. Pero nada más.
Por último, una sorpresa ha sido ver a Caperu. De los creadores de Shrek, no podíamos esperar otra cosa que una comedia transgresora, que rompiera con los tópicos y además hiciera “guiños” a múltiples películas. Los personajes están bien conseguidos (tal vez el leñador sea el más flojo) y la acción se desarrolla rápida, ágil y sencilla.

LA NOVIA CADAVER

2007-03-24T05:16:00.000-07:00

Un comentario largo, que tenía archivado de una de el año pasado.

La novia cadaver.
T.O. “Corpse Bride”. Dirección: Tim Burton.
Producción: Warner Broos. Productor: Tim Burton y Allison Abate. Guión:Pamela Pettler, Caroline
Thompson. Fotografía: Pete Kozachik . Dirección artística: Nelson Lowry. Música: Dani Elfman.
Montaje: Jonathan Lucas y Chris Lebenzon.
Intérpretes: [Voces Originales] Emily Watson, Helena Bonham Carter, Johnny Depp, Albert
Finney, Richard E. Grant, Christopher Lee, Joanna Lumley. Duración: 76 minutos.

Tim Burton es un director que ha conseguido crear un universo propio. Universo alrededor del cual
giran una serie de artistas “propios” (Jhonny Deep, Helenna Bonan Carter, Cristhopeher Lee,...) y universo que gira en unos escenarios recargados, góticos, oscuros.
Para muchos es un personaje excéntrico para otros un visionario. Independientemente de que
sea una cosa o la otra, es un director de cine con una cargada personalidad y tiene un cine propio.
Comenzó como dibujante de animación de la Disney (Tod y Toby) y esta faceta suya de animador
nunca la podremos olvidar. Sus trabajos son en gran parte películas de animación interpretadas
por actores. No sólo esto. Un buen grupo de sus obras son filmes de animación y de una animación en la que se recrea ese universo propio.
En “La novia cadaver”, ralización animada de Burton, esperamos encontrar una “locura” propia
de él, tal vez del estilo de “Pesadilla antes de Navidad” . Y en una visión rápida, tal vez encontremos unos esqueletos en movimiento, una música genial, unos chistes macabros pero simpáticos y algo más. Pero la película transmite mucho más que eso.
VíctorVan Dort, hijo de los pescaderos enriquecidos del pueblo está prometido en matrimonio con Victoria Everglot, jóven hija de Lord Finnis y Lady Maudeline Everglot, nobles empobrecidos cuya caja de caudales se encuentra llena de telarañas.
Victor, nervioso, no logra pronunciar los votos del matrimonio en su primer ensayo. Contrariado,
practica en el bosque, entre los árboles. Cuando coloca el anillo -te tomo por esposa- en unas
ramas de un árbol, estas se mueven y descubre con horror que surge el cadaver de una mujer
medioesquelética, agradeciendo que, por fin alguien haya contraido con ella matrimonio. Ella es
Emily, la novia cadaver. Víctor hará todo lo posible por regresar al mundo de los vivos, abandonando a Emily y regresando con Victoria. Mientras, en la tierra, todos estarán sorprendidos de la desaparición de Víctor con una extraña mujer. Y la historia sigue.
Con un argumento así, tal vez podamos pensar en una historia macabra de esqueletos, cadáveres y mortajas. Pero no es así. Es una bonita historia de amor en la que una mujer, asesinada antes de consumar su matrimonio, se redime de su “pena” para poder así alcanzar la gloria. Y es magistral el travelling continuo inicial de una mariposa azul, ese tono que se repetirá a lo largo de la película, y es magistral el final, poético, colorista, sincero. No estamos acostumbrados al cine de animación para adultos y Tim Burton, cuando realiza una obra de esta categoría está pensando en adultos. Los menores no comprenderán, las relaciones entre los personajes, la visión pobre y económica que dan los padres al matrimonio, ni la visión alegre, de entrega el uno al otro, de amor de los novios y la novia. El sacrificio que es capaz de realizar Víctor por Emily, le da una nueva vida. Es capaz de entregar su vida mortal y entregarse a una novia que ni siquiera es la suya. Por último, llama la atención que el mundo de los vivos es triste, gris, sin música, sin flores, sin luz, sin color. En cambio, el salto al mundo de los muertos nos lleva a un mundo alegre, divertido, lleno de luz y de color, donde todos, a pesar de la espera para entrar en la gloria, están muy felices.

LA VENTANA INDISCRETA

2007-03-24T04:55:00.000-07:00

He visto recientemente "Mia Shara" (por fin M.A.). Está bien. Una comedia española. Me recordó, salvando las distancias a algunas comedias inglesas de Hugh Grant y julia Roberts (estilo Noting Hill, sí Josito, la película de Spike). Recomendable. Si quieres pasar un rato agradable. Algunos se trabaron un poco con la trama.

Otra que he visto recientemente ha sido "La ventana indiscreta". La vi con Álvaro. Sensacional.

Entrar, a escondidas en la vida de otro es algo muy feo. Espiar a los vecinos por las ventanas, puede tener muchas consecuencias. Pero, ¿que se puede hacer si estas con una pierna escayolada hasta la cintura y sólo puedes moverte en una silla de ruedas?, Además la mujer más hermosa y más elegante de todo NY está enamorada de ti y la única distracción posible es observar los movimientos de los vecinos de los apartamentos de enfrente.
James Steward y Grace Kelly realizan un gran trabajo. La imagen de ella, como mujer independiente, elegante, con dinero, de la alta sociedad, contrasta con la de él, reportero fotográfico que ha dado la vuelta al mundo y que se ha encontrado con los problemas más insospechados. Parece un amor imposible, nada puede unirles, son tan distintos. Pero ella está muy enamorada de él y hará todo lo posible por conseguir su objetivo.
La película es una lección de cine. De buen cine. En unos pocos metros, la habitación, se desarrolla toda la acción. Hitchkock nos tiene acostumbrados a unas películas en las que los protagonistas nos van llevando a un momento de máxima tensión. En “La ventana indiscreta” esa tensión es más suave. Los planos se van mezclando, primeros planos y medios, con sugerentes trávellings alrededor de la fachada.

Sensacional, decía al principio, es la escena en la que ella aparece por primera vez, iluminando la escena, iluminando la vida de un pobre fotógrafo lisiado, dormido y abatido, y en fin, iluminando nuestra propia vida.

Dentro de poco hablaré de "Infiltrados", lo último de Scorsese. Es brutal (como todo él), no deja títere con cabeza y tienes que pasar una escena desagradable.

LA FORTUNA DE VIVIR

2007-02-24T12:30:00.001-08:00

Esta semana vi, después de años con ganas de verla, "La fortuna de vivir". Había visto la magistral comedia "La cena de los idiotas" y muchos me habían hablado de una película con el mismo actor que no tenía desperdicio.

Y es cierto. Tal vez no sean "los últimos hombres libres" como dicen mientras comen y recogen caracoles borgoñones, pero desde luego lo que si está claro es que al terminar la sensación de libertad es grande. Me sorprendió hasta ver a Cantoná, jugador de fútbol, como actor.

El guión está cuidado, los personajes geniales, el hilo de la trama conducido por una voz en off sugerente y la amistad,... algo que no se paga, que se aprecia.

A continuación el argumento, copiado de una página web cualquiera.

Garris y Riton viven en las marismas, a orillas del río Loira, en la Francia de los años 30. Ambos trabajan juntos, y comparten su vida con sus otros amigos: Tane, conductor de tren, y Amedée, un soñador y devorador de clásicos literarios. Los cuatro conocerán a Pépé, un anciano millonario que proviene también de las marismas pero que no reniega de su humilde pasado. Garris se enamorará secretamente de Marie, y Riton desatará las iras de Jo Sardi, un boxeador que acabará en la cárcel, lugar donde urdirá una venganza que trastocará la tranquila existencia del grupo de amigos .

BILLY ELLIOT

2007-01-30T02:22:00.000-08:00

Recientemente han sido dos las películas que he visto completas. Digo completas porque este fin de semana vi la mitad de "Dos hombres y un destino" y al terminar en la tv estaban poniendo "Los violentos de Kelly". Dos clásicos, pero incompletos.

Pues bien, las dos últimas han sido "El ilusionista" y "Billy Elliot". Sinceramente esperaba más de Billy Elliot. Me pareció interesante la transformación del padre de Billy, como va cambiando, como aprende a tratar a su hijo. Pero la película tiene trampa, pues Billy engaña, engaña a su padre y no es capaz de decirle, desde un principio, lo que siente, lo que realmente le gusta y demostrárselo con hechos. Si que transmite en cambio, el mensaje claro de que para ser bailarín no es necesario ser "marica". Billy no lo es. Por eso no se entiende el empeño por mostrar como un niño de 11 años amigo suyo si lo es y no pasa nada, ¿o sí que pasa?. Pues sí, pasa. Pero esa no es la historia. Sólo tiene que mostrar que es algo "natural". Esto que quede claro para el que ve esta película, pues en algún momento puede molestar el que se den este tipo de situaciones como normales en niños de esa edad.

Del ilusionista, me pierdo en el argumento. Pero me quedo con la luz. Cuidada, serena, apacible... ¿Estaba estropeado el dvd al inicio de la película? Pues no es su aspecto quemado. Y otra cosa, que necesidad tiene el director de poner una escena, innecesaria, gratuita.

En fin. Tengo que volver a los clásicos.

ORGULLO Y PREJUICIO

2007-01-23T01:17:00.000-08:00

Añadir alguna de las películas que he visto esta navidad y de las que si tengo tiempo haré algún que otro comentario.
Son las siguientes: "Piratas del Caribe 2", "High Schooll Musical" y más recientemente "Superman returns". También vi por segunda vez "Orgullo y prejuicio" que sin lugar a dudas fue lo mejor de la navidad.
Sigo teniendo pendiente ver "Casablanca" y también mi hermana me ha ofrecido "Sabrina" (la de Bogart).
En fin, con Piratas lo pase muy bien. Me reí mucho. Y nada más. Seguramente me olvidaré de ella. Es más floja que la primera, pero en fin. De Superman espera muy poco. Todos la pusieron fatal, los críticos, gente que la había visto... Por eso tal vez, no me pareció, tan mala. Pero en fin, no es ninguna maravilla. Si que me gustó el Musical Adolescente. Simpático, positivo, con una historia sencilla, muy típica eso sí, y buena música y coreografía. Además interpretada por actores muy jóvenes y con buena voz. Pero es un musical, por tanto no te quejes si hay música.
Lo mejor, como decía antes, fue Orgullo y Prejuicio. He leído algunas críticas y parece que hay versiones mejores. No las he visto. Ahora quiero leer el libro. Sensacional, Keira, un papel bien interpretado. Muy conseguida la ambientación, el vestuario, maquillaje,... y los actores secundarios -como se nota la experiencia- Donald Sutherland y Judi Dench.

CRASH

2006-12-14T09:57:00.000-08:00

Las últimas películas que he visto y que puedo recomendar son "Crash", "Tiempo de valientes" y "El milagro de Berna".
Esas dos son buenas, la primera no la considero para todos los públicos. La segunda y tercera están muy bien hechas y además no son americanas; una es argentina y la otra alemana.
Además he visto: "Plan oculto", "Ice age 2", Plan de vuelo", "Firewal" y "16 calles".